In questo numero di Wednesday Warriors:

Bam’s Version

FRIENDLY NEIGHBORHOOD SPIDER-MAN #5 di Tom Taylor e Yildiray Cinar.

Nel Febbraio del 2002, in America, venne pubblicato The Amazing Spider-Man #38 di J.M. Straczynski e John Romita Jr. In quel numero, una stoica ma profondamente ferita zia May affrontò il nipote Peter Parker, mettendolo di fronte alla nuda verità. Dopo il devastante scontro con Morlun e la vita del nostro Amichevole Spider-Man di Quartiere sconvolta dall’abbandono di Mary Jane e dal suo nuovo status quo editoriale, il confronto tra zia e nipote cambiò per sempre le dinamiche tra i due, rimuovendo il segreto che aveva ancorato a terra le loro vite da troppo tempo. The Conversation passò alla storia, affermandosi come uno dei numeri migliori della lunghissima gestione Straczynski proprio per la toccante umanità con la quale Peter e sua zia affrontarono il tremendo discorso riguardo l’identità dell’Uomo Ragno.

A diciassette anni di distanza, Tom Taylor e Yildiray Cinar propongono una nuova, intima conversazione tra Peter Parker e zia May nel quinto numero di Friendly Neighborhood Spider-Man. Ci troviamo di fronte al rovescio della medaglia – con Straczynski e Romita Jr. potemmo osservare la reazione di zia May alla scoperta del Ragnesco segreto di Peter. In questa occasione, è Peter a dover far fronte ad un terribile male che attanaglia zia May, un problema drammaticamente umano e che non può essere risolto svolazzando per New York.

Ma il primo pensiero di Peter è proprio quello di fuggire, di rifiutare la notizia. La assimila, la comprende, esprime ciò che pensa ma gli risulta difficile mandarla giù e affrontarla di petto. La sua fuga nella notte, sotto la maschera dell’Uomo Ragno, ha un significato radicalmente diverso se confrontato con la storia del 2002, in cui Spider-Man si lanció in volo sulla città soltanto nell’ultima pagina, libero dal peso della sua identità segreta. Due segreti diversi, due pesi diversi e – di conseguenza – due storie che si sviluppano in maniera differente.

Fortunatamente, la notte newyorkese è ricca di crimini e c’è sempre modo di distrarsi: un frenetico inseguimento per le strade permette a Spidey di volteggiare tra i palazzi, mostrando la sua muscolare dinamicità. Rispetto al più educato e plastico Juan Cabal, artista che tende a giocare più con la tavola che con le figure, Yildiray Cinar si lascia accompagnare dai testi di Taylor in una movimentata danza tra le auto della polizia. Dinamico, Cinar spezza volentieri l’ordine delle vignette per evidenziare il moto del suo Uomo Ragno, agile e potente.

La narrazione cambia ritmo e si fa più pacata una volta che Taylor riafferma il nucleo, il cuore pulsante di Friendly Neighborhood Spider-Man. Una volta rivelata l’identità dello sventurato ladro d’auto che ha occupato la notte di Spidey, per Tom Taylor e il nostro protagonista torna la necessità di fermarsi a riflettere sulle responsabilità verso i nostri cari – e ciò che siamo disposti a fare pur di farli sentire bene. Largo spazio di Friendly Neighborhood Spider-Man viene lasciato alla componente umana e “patetica” – nel senso alto del termine. Tom Taylor ha posto la sua storia su un gradino diverso dalla serie principale Amazing Spider-Man. Se quest’ultima mette in risalto il Ragno e il suo canone narrativo prettamente supereroistico, a Taylor resta l’Uomo, il Peter Parker che cerca, in tutti i modi, di trovare la forza necessaria a combattere un nemico che non sia Big Wheel o l’Hobgoblin.

L’importanza di The Conversation per Straczynski e Romita Jr. si ripropone in Not Running di Tom Taylor e Yildiray Cinar. Storia che diventa un perno fondamentale per il futuro dell’Uomo Ragno, che cambia radicalmente le dinamiche del rapporto tra zia May e suo nipote Peter. Umani, fragili, spaventati ed insieme invincibili.

Gufu’s Version

WONDER TWINS #3 di Mark Russell e Stephen Byrne

Nel terzo numero di Wonder Twins, Mark Russell e Stephen Byrne continuano a stupirci per l’eleganza con cui riescono a destreggiarsi sulla linea di confine tra la commedia e la critica sociale.
Come già visto nell’albo precedente gli autori mettono sotto la lente di ingrandimento l’aspetto ciclico tipico del fumetto supereroico, dove tutto cambia costantemente per restare sempre uguale. Non a caso la storia si apre con una lezione sul mito di Sisifo e la metafora della perseveranza assume un valore diverso quando applicata al concetto di supereroe così come trattato nella produzione mainstream: i superpoteri non sono più il vero discriminante, non sono ciò che davvero fa la differenza.

 “…you save the world one act of kindness at a time”

Quella di Russell è una commedia imperniata sul paradosso dell’inutilità del supereroe in quanto tale, gli stessi villain ridicoli della “Lega del Fastidio”, che come i migliori clown tradiscono un sottotesto drammatico nascosto dal cerone, rifuggono da qualsiasi ipotesi di utilità (quand’anche questa si prospetti come un brillante piano criminale) per preferire il classico gioco del buono contro il cattivo.

Questo paradosso viene poi sottilmente rilanciato verso il mondo reale tramite il racconto delle origini di Bleep, la scimmietta di Zan, che tanto ricorda l’episodio di Flintsotnes in cui lo stesso Russell ci raccontava la vita degli animali/elettrodomestici di Fred & Soci.
Quante volte, nella nostra vita di tutti i giorni, abbiamo affrontato un problema prendendo a pugni qualcuno? E quante di queste volte la violenza è stata risolutiva? La dinamica tipica del supereroe, per quanto avvincente, è distante dalla realtà come la più ardita delle speculazioni fantascientifiche.
La salvezza della piccola scimmia, la cui vita precedente era funestata dalla violenza dei suoi proprietari, non è veicolata da una scazzottata tra i pugni dei giovani protagonisti e i perfidi aguzzini di Bleep, bensì da un atto di gentilezza di Zan e Jayna.
“…one act of kindness…”

Sebbene Wonder Twins si presenti come una commedia adolescenziale dall’aspetto camp, in virtù delle succitate scelte, risulta essere caratterizzata da una narrazione fortemente realistica ed è in questo sostenuta dai disegni di Stephen Byrne che modella l’atmosfera della serie sulla base dei cartoon Hanna Barbera degli anni 70/80 aggiornandone l’iconografia alla sensibilità contemporanea. L’economia del tratto, la sua sintesi e pulizia colloca i personaggi della serie tra quelli con cui è facile identificarsi, che si avvicinano alla nostra intima percezione del mondo.

Al netto di alcune rigidità di certe pose, il disegnatore restituisce dei personaggi talmente credibili da risultare a tratti disturbanti agli occhi di chi è abituato alle iperboli del linguaggio supereroistico: il Superman di Byrne è un uomo in calzamaglia e mantello, i supercriminali sono dei tizi in pigiami colorati e così via. Tutte le vicende risuonano estremamente umane e terrene.
La forza del lavoro di Russell e Byrne qui è quella del riuscire a parlare di gentilezza e bontà senza avere il timore di essere etichettato come “sdolcinato” o peggio “buonista”.

In questo numero di Wednesday Warriors:

Gufu’s Version

BATMAN #67 di Tom King, Lee Weeks e Jorge Fornés

Tom King e Lee Weeks approfittano di questo ennesimo knightmare per regalarci un sequel dell’acclamato Batman/Elmer Fudge  dello scorso Luglio. Questa volta il crociato incappucciato è impegnato in una lunga caccia all’uomo, un personaggio misterioso – del quale non vediamo mai il volto – e apparentemente imprendibile che emette un unico suono: beep beep.
Un lungo inseguimento silenzioso che porta i due dai tetti di Gotham alle sue fogne passando per vicoli, bar e appartamenti, durante la quale l’iconica routine di Wyle E. Coyote e Roadrunner si trasforma in una metafora del rapporto tra Batman e una delle sue storiche nemesi.
Al duo già collaudato e affiatato da diverse collaborazioni, sia su Batman che su Heroes in Crisis, si unisce il talentuoso Jorge Fornes che uniforma il proprio stile, fortemente debitore al primo David Mazzuchelli, a quello di Weeks rendendo fluido e privo di scossoni il passaggio tra un disegnatore e l’altro. Questo, che potrebbe sembrare un dettaglio, fa invece la differenza in un fumetto che, nella quasi totale assenza di balloon di testo, fa del ritmo della narrazione il proprio punto di forza.
È fuori di dubbio che in questo caso Tom King abbia fatto un passo indietro per lasciare il campo alle notevoli interpretazioni dei due disegnatori che restituiscono la fiducia regalando un piacevole momento di puro intrattenimento visivo ai lettori.

NAOMI #3 Di Brian Michael Bendis, David F. Walker e Jamal Campbell

Nonostante i pochi albi al suo attivo possiamo dire che la Wonder Comics, pop-up imprint della DC Comics affidata a Brian Michael Bendis, è una piacevole ventata di novità nel mondo del fumetto supereroistico e Naomi è, con tutta probabilità, il progetto simbolo di tutta l’iniziativa.
Se Wonder Twins e Young Justice rielaborano delle proprietà intellettuali preesistenti, questa testata propone un personaggio inedito presentandolo in maniera inconsueta per il genere.
Naomi non ha superpoteri e vive da spettatrice il fantastico mondo dei supereroi DC, ma c’è un mistero che la coinvolge, un mistero che viene svelato con studiata lentezza dai suoi autori e che è in grado di irretire i lettori.
Le dinamiche classiche del fumetto supereroistico, fatte di conflitti e risoluzioni dei medesimi, che puntano sulle imprese supereroiche dei protagonisti, cedono il passo all’intreccio totalmente umano/adolescenziale delle vicende di Naomi.
È una storia in cui la grandeur supereroica non è il fine ma il mezzo per raccontare dei personaggi, le loro motivazioni e le dinamiche che muovono il loro mondo. In questo racconto, che punta molto sul processo di identificazione lettore/protagonista, risulta efficace il tratto sintetico e morbido di Jamal Campbell: il disegnatore canadese si dimostra estremamente versatile riuscendo a passare dal registro della narrazione del quotidiano, bravo nel linguaggio del corpo e nell’espressività dei volti, a quella più iperbolica degli eventi supereroistici.

Bam’s Version

AVENGERS #17 di Jason Aaron e David Marquez.

Quanto a fondo bisogna infilare il paletto di frassino, per uccidere un’intera ribellione vampirica? La Guerra Civile tra i figli di Dracula termina questo mese per i Vendicatori di Jason Aaron, che insieme a David Marquez ha saputo intrattenere a dovere il lettore ed i propri personaggi nell’attesa di War Of The Realms.

La saga non passerà agli annali come indimenticabile o imperdibile ma, ancora una volta, Aaron sa dare il giusto peso ad ogni evento, calcolando azioni e reazioni, ripercussioni che verranno sentite attraverso tutto l’Universo Marvel. La sua Avengers, d’altronde, è sin dall’inizio una serie che ha visto gli Eroi Più Potenti della Terra ai margini degli eventi principali, tasselli di un mosaico ben più vasto che sta costruendo nuove gerarchie e meccaniche interne ad un mondo diverso e senza più cardini saldi a muoverlo. Senza lo S.H.I.E.L.D. e il supporto del Governo Statunitense, i Vendicatori hanno dovuto fronteggiare l’ascesa dei Difensori degli Abissi di Namor, della nuova e letale Guardia D’Inverno russa, senza contare la minaccia dell’ultima Schiera; tutto questo mentre le reclute Vendicative come She-Hulk e Ghost Rider erano ancora alla ricerca di un loro posto nel team.

L’arco narrativo qui concluso, che ha visto l’arrivo di Blade nella formazione di Vendicatori titolari, ha raccontato una trama semplice, accattivante e concisa, lasciando indizi per l’immediato futuro e trascinando Avengers fuori dalla sua comfort zone, a confronto con l’occulto, il grottesco e l’orrore della razza vampirica.

Il vero problema è che non c’è molto altro da dire – ancora una volta, Avengers sembra più importante per ciò che arriverà, piuttosto che per ciò che racconta al momento. Jason Aaron e David Marquez lavorano benissimo insieme e l’intero story-arc è godibile dall’inizio alla fine, ma i Vendicatori non sono affatto protagonisti. Nonostante questo difetto, che per alcuni potrebbe essere ben più grave di quanto il sottoscritto lo consideri, la lettura resta consigliata.

SPIDER-MAN: LIFE STORY #1 di Chip Zdarsky e Mark Bagley.

Per l’Universo Marvel, la possibilità di rinfrescarsi e dare una svecchiata ad Ottant’Anni di continuity è un’occasione troppo ghiotta per essere ignorata. Ciclicamente, la Casa delle Idee sforna serie che possano aiutare i lettori, nuovi o vecchi che siano, a connettere con i personaggi più importanti, riproponendo magari una nuova origin story o una saga che ripercorra i momenti salienti della storia editoriale.
All’apparenza, Spider-Man: Life Story può sembrare una semplice serie celebrativa, un modo di rivivere i greatest hits dell’Uomo Ragno. Tuttavia Chip Zdarsky e Mark Bagley aggiungono un interessante twist che stacca Life Story dal resto delle produzioni autoincensanti Marvel. Piuttosto che svecchiare e ringiovanire, gli autori intraprendono la strada opposta, facendo crescere l’Uomo Ragno “in tempo reale”.

L’età dei supereroi, del resto, non è che un artificio, regolabile a seconda della volontà dello scrittore. Peter Parker, superata l’adolescenza, non ha mai superato la soglia dei 30 anni, un eterno giovanotto. Lo scorrere del tempo canonico, non fumettistico, rappresenta la variabile che nasconde parecchio potenziale: come reagirebbe un Peter Parker quarantenne all’Ultima Caccia di Kraven, ad esempio? Che valore assumerebbe la tragedia dell’11 Settembre agli occhi di un Uomo Ragno alla soglia dei sessant’anni?

Life Story #1, The War At Home, racconta i primi momenti dell’Uomo Ragno, partendo dal 1966. Quattro anni dopo il morso di un ragno radioattivo e la morte del povero zio Ben – che gli autori, gentilmente, ci risparmiano – il giovane Peter Parker si trova a dover gestire la travagliata vita privata di un adolescente sfigato, le minacce criminali che affliggono il Ragnetto e le prime ondate di contro-cultura. Le proteste contro la Guerra in Vietnam si accavallano agli amici di scuola che imbracciano le armi, vestono le uniformi e partono al fronte. Tra loro c’è Flash Thompson e, per Peter, i dubbi su poteri e responsabilità crescono in maniera esponenziale. Sarebbe giusto rivelare la propria identità e mettere l’Uomo Ragno al servizio dello Zio Sam, servendo l’America oltreoceano?

Zdarsky cattura perfettamente l’atmosfera del Ragno di Stan Lee e John Romita, più che di Ditko. Il suo protagonista ha lasciato alle spalle il timido liceale: Peter Parker é diventato adolescente, l’amore per Gwen Stacy è sul punto di sbocciare, la vita come Uomo Ragno gli permette di portare il piatto a tavola – grazie alle foto scattate per J. Jonah Jameson – e il suo migliore amico Harry Osborn sembra invidiare le attenzioni ed i complimenti che suo padre Norman gli riserva. Il giovane Parker mantiene il perfetto equilibrio che Stan Lee riuscí ad imprimergli e Zdarsky non vuole sovrascrivere il suo personaggio a quello che é lo stampo originale dell’Uomo Ragno.

Il contesto narrativo é incredibilmente classico ed efficace, un throwback necessario, ma il Peter Parker di Zdarsky ragiona in termini più complessi. Pur essendo ambientato negli anni ‘60, il primo capitolo di Life Story evolve l’aspetto teen drama, sovrapponendolo ad una struttura collaudata e retró, creando un piacevolissimo contrasto che marca una netta evoluzione e maturazione stilistica – forse il primo, vero caso di ammodernamento a fumetti. Dove altri si limitano a rinarrare, senza cambiare troppo, Zdarsky aggiunge balloon, monologhi interni e sfaccettature di pensiero che superano il personaggio-figurina e lo rendono nuovamente tridimensionale. Il Flash Thompson originale è ancora sulla pagina, riconoscibile sin dal primo istante, eppure ha molto più da dire, da esprimere, quando arriva a muso duro con Peter Parker.

Se l’Uomo Ragno e il suo alter-ego escono rinvigoriti dal “trattamento Zdarsky”, a Mark Bagley tocca dare al fumetto un look classico, quello di un artista che ha segnato diverse ere fondamentali per il personaggio. Disegnatore sinonimo del Ragno, un nome che immediatamente richiama il suo lavoro su Ultimate Spider-Man e il suo apporto alle fondamentali run degli anni ‘90 con David Michelinie, Bagley fa quello che sa fare meglio: se stesso. I personaggi trasmettono i propri pensieri nelle vignette, dialogano in maniera animata e le scene d’azione che coronano il climax del numero sono la dimostrazione del buon stato di forma dell’artista. L’unico appunto – un vero pelo nell’uovo: sarebbe interessante, per il futuro, vedere il tratto di Bagley, così come la colorazione di Frank D’Armata, adattarsi alle varie ere dell’Uomo Ragno.

Spider-Man: Life Story #1 nasconde un paio di chicche e svolte improvvise che cambiano radicalmente il percorso narrativo del personaggio, momenti impossibili da raccontare qui in sede di recensione. La sottesa natura da What If? della serie sbuca fuori all’improvviso, quando la nostalgia nel rileggere momenti storici del Ragnetto aveva preso possesso della lettura. Chip Zdarsky e Mark Bagley rendono interessante una storia che sembra sia stata letta centinaia di volte, per la freschezza con la quale viene raccontata, per la curiosa gimmick del “tempo reale” e per dei colpi di scena davvero inaspettati – elementi che cambieranno radicalmente il futuro dell’Uomo Ragno.

In questo numero di Wednesday Warriors:

Gufu’s Version

JUSTICE LEAGUE #19 di Scott Snyder e Jorge Jimenez

Questo diciannovesimo capitolo della Lega della Giustizia di Snyder può essere sintetizzato efficacemente dalla figura e dalle contraddizioni del villain di turno: Mr. Mxyzptlk.
Il folletto proveniente dalla quinta dimensione, nemico storico di Superman, incarna quel dualismo che sta alla base del concetto stesso di intrattenimento supereroico: un costante conflitto tra la necessità di divertire (in senso ampio) il lettore e quello più “oscuro” fatto di crescenti minacce poste di fronte agli eroi di turno.

Come già visto negli anni ‘90, durante il mai abbastanza celebrato ciclo di Grant Morrison – autore feticcio di Snyder – su JLA, Mxyzptlk nasconde un immenso e terrificante potere dietro alle sue buffe sembianze. Snyder e Jimenez (questa volta anche accreditato come co-autore del plot) riprendono questa lettura del folletto arrivando a renderla visibile, esteriorizzandola nel design dello stesso: il Mxyzptlk di Jimenez è gommoso, mutevole, il suo aspetto cambia da vignetta a vignetta, mantenendo costante un sottotesto inquietante. Un registro che il disegnatore estende a tutta la storia, passando repentinamente dal tratto realistico a quello caricaturale senza difficoltà. In questo lo segue, e lo guida, Scott Snyder, capace di inserire momenti più leggeri, caratterizzati da dialoghi brillanti, in contesti significativamente drammatici.

In questa sorta di ping-pong emotivo gli autori continuano ad alzare la posta in gioco: la portata della minaccia è sempre più grande e lo stesso multiverso DC sembra espandersi in concerto con essa.

Se è vero che negli scorsi decenni, da Crisis on Infinite Earths in poi, molti autori hanno provato a semplificare, sintetizzare, umanizzare le complesse continuity dei supereroi, Snyder va in senso opposto: prende il multiverso (così come strutturato da Grant Morrison) e, dopo averlo espanso in Dark Knights: Metal aggiungendo la sua controparte oscura, lo complica ancor di più aggiungendo una fantomatica “sesta dimensione”, la sala di controllo del Multiverso.
Se tanto mi dà tanto si direbbe il mondo in cui viviamo noi.
Sebbene sia un autore che incontra un certo astio nel fandom, non si può certo imputare a Snyder la mancanza di una bella dose di coraggio: se vi vi piace l’avventura e amate le sfide questo è il fumetto che fa per voi.

CONAN THE BARBARIAN #4 di Jason Aaron e Gerardo Zaffino

Quarto capitolo del Barbaro di Jason Aaron che si fa notare soprattutto per il disegnatore ospite: un Gerardo Zaffino dal tratto sporco e oscuro che riesce a dare il giusto aspetto oscuro e tenebroso a una storia crepuscolare.
Crepuscolare sia in quanto ambientata per gran parte di notte, tra le strade di Tarantia, capitale di Aquilonia, sia perché ci mostra la vita di un Conan in là con gli anni: insofferente e ai limiti della depressione, vessato com’è dalle incombenze della vita da sovrano che mal gli si addice.

Curiosamente questa potrebbe essere definita allo stesso tempo come la prova migliore e quella peggiore di Aaron sulla testata.
Da un lato lo scrittore riesce ad affrancarsi dal timore reverenziale che sembra avere nei confronti di Robert E. Howard e la sua creatura, proponendo al lettore un Conan inusuale, un vigilante di stampo quasi supereroistico; anche dal punto di vista del ritmo lo scrittore abbandona, seppure non sempre, lo stile “libro illustrato”, a favore di uno sviluppo più canonicamente sequenziale e fumettistico.
Di contro sembra non esserci traccia della macrotrama introdotta nei primi tre capitoli, dando quindi l’impressione di un mero riempitivo in attesa del ritorno del disegnatore principale.
Al netto di quest’ultima considerazione, che può essere ininteressante sotto diversi punti di vista, siamo di fronte a un deciso passo in avanti nello sviluppo di questa proprietà intellettuale.

Bam’s Version

GREEN ARROW #50 di Jackson Lanzing, Colin Kelly e Javier Fernandez.

Vigilanti impazziti, terribili lutti, una enorme responsabilità sulle spalle e l’amore della sua vita a fargli da supporto. Il biennio 2018 / 2019 è stato più che altalenante per Freccia Verde – principalmente a causa di un turbinoso avvicendamento ai writing duties della serie.Da Maggio dello scorso anno a questo Marzo, sui testi di Freccia Verde si sono alternate le sorelle Benson, Mairgrhead Scott e il duo Lanzing e Kelly. Tutti questi scrittori – e i tanti artisti che li hanno accompagnati – hanno reso la serie piuttosto difficile seguire: una trama principale ha fatto da stampella alla quale tutti si sono appoggiati, eppure Green Arrow non ha mai saputo brillare di luce propria, costruendo una trama che potesse respirare ed evolversi nel tempo.

All’alba del 2019, la rotazione frenetica sembrava, finalmente, pronta ad interrompersi. Con le Benson a chiudere il loro arco narrativo, Lanzing e Kelly saltavano a bordo della serie con una ottima storia legata a “Heroes In Crisis”, il ritorno del Conte Vertigo e le sensazionali matite di Javi Fernandez a fare da supporto. Tuttavia, mi trovo qui a scrivere dell’ultimo numero della serie: Green Arrow chiude improvvisamente i battenti, con quello che doveva essere l’inizio di un lungo story-arc e che si rivela, invece, la conclusione della serie.

Il villain conquistatore della serie diventa la direzione editoriale e, dunque, Lanzing e Kelly si trovano a dover chiudere le trame, piuttosto che aprirle. Il duo di scrittori tira fuori il meglio da una situazione disperata: braccato dalle forze speciali e a muso duro con Black Canary, Oliver Queen è assoluto protagonista di una lunga sequenza action, adrenalinica ed esplosiva. Javi Fernandez mette a buon uso la sua matita ultra-dinamica e le sue tavole complesse, una tela che l’artista sa piegare e modellare, scomporre in più vignette che seguono con occhio attento inseguimenti, frecce, proiettili e folli acrobazie.

Ma la chiarezza dei disegni, purtroppo, non rispecchia la caoticità di una trama chiusa velocemente e all’improvviso. Jackson Lanzing & Colin Kelly firmano buoni dialoghi e indovinano la voce di Freccia Verde, ma hanno l’ingrato compito di dover infilare tantissimo in sole 40 pagine. La serie ha scoccato, più volte, qualche buona freccia dalla faretra, ma senza mai centrare a pieno l’obiettivo. Purtroppo, queste non sono bastate per salvare Green Arrow. Cosa riserverà il futuro?

MEET THE SKRULLS #1 di Robbie Thompson e Niko Henrichon.

Undici anni dopo Secret Invasion di Brian Michael Bendis e Leinil Francis Yu, l’infida legione aliena degli Skrull torna ad essere protagonista. Ma sono cambiate tante cose in questi undici anni: gli Eventoni a fumetti hanno perso quell’aura di grandeur e solennità, lasciando il posto ad un rinnovato gusto per le dimensioni intime, l’umanizzazione e l’introspezione.

La famiglia Warner vive una vita tranquilla a Stamford, nel Connecticut. Il padre Carl lavora alla Stark Unlimited, la madre Gloria è impegnata nella politica locale, le figlie Madison e Alice cercano di sopravvivere al liceo. Ma, dietro la patina di quotidianità suburbana che può ricordare The Vision di King e Walta, si nasconde un nucleo famigliare di Skrull, mortalmente intenzionati a portare a termine la loro missione: sventare il Progetto Blossom e favorire, così, una nuova invasione aliena.

Robbie Thompson, più che da narratore, funge da osservatore. Lo scrittore, attraverso i Warner, analizza meccaniche sociologiche, reazioni e comportamenti studiati da occhi alieni. Un semplice gesto d’altruismo, una parola cattiva in mensa tra compagne di scuola, una gita alla mostra di scienze naturali: gli elementi della vita di tutti i giorni si trasformano in occasioni per manipolare, soggiogare e trarre vantaggio dalle debolezze umane. Ma il fumetto non risulta didascalico, tutt’altro.

Thompson brilla nella costruzione del mistero famigliare, individui uniti da una missione più che dall’affetto, che preferiscono rimanere in silenzio piuttosto che confrontarsi. In questa strana famigliola – tutt’altro che felice – ha più valore ciò che non viene detto che il contrario. La presentazione di questo “quadretto” è affidata a Niko Henrichon, artista dal tratto delicato e atipico dalla tradizione Marvel, valorizzato dalla colorazione di Laurent Grossat. Combinazione di stili americani, francesi ed orientali, la matita di Henrichon riesce a cogliere la sottile tensione che si nasconde sotto i volti umani scelti dagli Skrull. Le figure nervose e gli sguardi perfidi si confrontano, soffrono e rispondono con veemenza, con l’esito della missione – ed il bene dell’impero Skrull – che pende sulla testa dei Warner come una spada di Damocle.

Manca un po’ di contesto e qualche elemento meriterebbe un chiaro approfondimento, ma Meet The Skrulls #1 è solo il primo capitolo di un bel mistero urbano e fantascientifico. Il world-building é necessario, ma cominciare una storia senza avere tutte le carte scoperte puó rivelarsi un vantaggio sul lungo termine. Thompson e Henrichon fanno leva sul subdolo fascino degli Skrull per rivitalizzarli, calandoli in un interessante ed inedito contesto. Undici anni fa, l’Invasione Segreta cominciò dai supereroi; nel 2019, l’uomo comune torna al centro della narrazione.

In questo numero di Wednesday Warriors:

Bam’s Version

DETECTIVE COMICS #999 di Peter Tomasi e Doug Mahnke.

“Detective Comics” si avvicina allo storico traguardo dei Mille Numeri. Ma prima di gonfiare i palloncini e tagliare la torta, Peter Tomasi e Doug Mahnke concludono la loro saga introduttiva, Mythology. La struttura imbastita da Tomasi non potrebbe essere più classica: siamo finalmente giunti alla resa dei conti e, per il Cavaliere Oscuro, è il momento di scoprire chi è la mente diabolica che rovinato la sua vita negli scorsi numeri. Dopo qualche colpo sotto la cintura e un viaggio che ha toccato diversi angoli della continuity del Pipistrello, Batman è stremato ma ha finalmente di fronte a sé il colpevole. A volte, però, il mistero non ruota intorno al Chi, quanto più al Perché.
Tomasi conosce il personaggio come le sue tasche e sfrutta la complessa psicologia del protagonista per chiudere i conti in maniera inattesa, inaspettata ma pienamente coerente con il messaggio che vuole comunicare.

Qual è il prezzo da pagare per essere “il migliore”? Cosa comporta l’essere Batman, ogni giorno, senza fermarsi? Quali sono le responsabilità che implica questo ruolo?

La risposta, al netto di un arco narrativo piuttosto intenso, ricalca e piega al suo volere il cliché più famoso della TV Americana, una colonna della narrativa seriale reso famoso da Dynasty – e chi ha orecchie per intendere, intenda. Per quanto il sottoscritto difficilmente riesca ad apprezzare soluzioni simili, che rischiano di sminuire il percorso intrapreso dagli autori, Tomasi e Mahnke invertono la tendenza, chiudendo un arco narrativo che presenta un Batman “classico”, il Cavaliere Oscuro che tutti amano. La potenza fisica e la solidità dell’azione espressa dai disegni di Doug Mahnke sposano le atmosfere pesanti e introspettive di un conflitto psicologico, quasi metafisico – senza sacrificare momenti ad alta tensione e pugni chiusi dritti al volto.

La risoluzione del caso consegna al lettore un’alternativa al Batman “maschera tormentata” di Tom King: Detective Comics promette al pubblico la tradizionalità, efficacemente rimodernata, del Cavaliere Oscuro.
Le due serie principali dedicate al Pipistrello non sono mai state così belle – e così diverse l’una dall’altra.

SUPERIOR SPIDER-MAN #3 di Christos Gage e Mike Hawthorne.

Quanti Ragni servono per dire “basta”? Seguendo le linee editoriali Marvel, il limite è abbastanza alto. Negli ultimi anni, si è sempre cercato di dare un compendio a chi non ha mai abbastanza Uomo Ragno e, nel 2019, l’offerta è ancora ampia. Alla serie principale di Nick Spencer e alla “ombrello” di Tom Taylor, la Casa delle Idee ha ritenuto fosse opportuno mantenere una certa continuità con il lavoro di Dan Slott. “Superior Spider-Man” soddisfa le richieste della nicchia che ha ancora voglia di leggere le storie dell’Otto Octavius “eroico”.

Sotto la falsa identità del dottor Elliot Tolliver, nuovo professore della Horizon University e collega della vecchia fiamma Anna Maria Marconi, Octavius continua il suo percorso eroico come Superiore Uomo Ragno. Trasferitosi a San Francisco e in piena forma – grazie al vigoroso corpo clonato di Peter Parker e alla sua mente brillante – Octavius si è dato subito da fare, costruendo una base operativa con tanto di scagnozzi e gadget di ultima generazione.

Christos Gage prova a ricatturare l’energia dell’idea originale, sfruttando al meglio l’eredità Slottiana e cambiando alcuni particolari per mantenere una certa freschezza. Il suo Superior Spider-Man, sbruffone, vanitoso ma comunque eroico, ha subito trovato pane per i propri denti, costretto ad affrontare la minaccia cosmica di Terrax.

Il focus principale di questo primo arco narrativo sta proprio nel confronto impari tra il Ragno e l’ex Araldo di Galactus. Gage utilizza la disparità tra i due per mostrare la determinazione e l’audacia di Octavius, disposto a tutto pur di non fallire alla sua prima “grande prova” da supereroe. Il risultato è buono ed intrattiene ma manca la cattiveria e l’edge che Slott riusciva ad imprimere al personaggio, una sfaccettatura che viene meno una volta eliminato il confronto con la figura dell’Uomo Ragno “originale”.

Mike Hawthorne fa la parte del leone: l’artista sfoggia tutte le sue velleità action con un lungo scontro, una lotta senza quartiere che devasta la Golden City. I colori di Jordie Bellaire esaltano il tripudio di raggi d’energia, macerie e distruzione che Gage imbastisce, rendendo la lettura intrattenente e adrenalinica.

Superior Spider-Man è lontano dall’essere una lettura imprescindibile, ma soddisfa un “prurito” che tormentava alcuni lettori.
Concluso il primo arco narrativo, Gage e Hawthorne hanno a disposizione un nuovo setting da poter sfruttare e un protagonista carismatico – sebbene meno interessante della sua versione originale.

Gufu’s Version

HEROES IN CRISIS #6 di Tom King, Clay Mann e Mitch Gerads

Tom King prosegue nella stesura di quella che è, con tutta probabilità, la sua opera più controversa e divisiva: le opinioni di critici e lettori sono quasi totalmente arroccate su posizioni estremamente polarizzate.
Così come già fatto in Mister Miracle, con la quale condivide diversi temi, Heroes in Crisis lascia il campo aperto all’interpretazione del lettore: il continuo ribaltamento di prospettive, l’estrema incertezza sulla verosimiglianza di quanto stiamo leggendo, il reiterarsi di minuscoli “errori” (che a questo punto sono tutt’altro che errori), mettono un qualunque lettore nella posizione di investire l’opera della propria soggettività e, di conseguenza, di giudicarla legittimamente con dei parametri assolutamente personali e divergenti da quelli di un altro.
In questo senso gli autori di Heroes in Crisis non si limitano a sovvertire le regole del gioco, magari destrutturando il genere supereroistico alla maniera dei vari Alan Moore o Grant Morrison, ma spostano i giocatori in un altro campo per far praticare loro uno sport totalmente diverso.
Un precedente significativo è riconducibile a quell’Identity Crisis, al quale Heroes in Crisis si ispira dichiaratamente, di Brad Meltzer e Rags Morales che nel 2004, alla sua uscita, sollevò altrettante critiche e discussioni.
Come già in Mister Miracle, e generalmente in tutte le sue opere, King presta un’attenzione significativa alla struttura del racconto e, in questo capitolo, ripropone specularmente l’architettura vista nel terzo numero della serie: si inizia con l’ormai canonica griglia a nove vignette che presente, sulle tre colonne della medesima, i tre protagonisti dei tre flashback narrati nell’albo, e si chiude con un’altra griglia a nove vignette ognuna ospitante un diverso personaggio. Esattamente come successo in Heroes in Crisis #3. E proprio come in quell’albo King riprende un character DC di serie Z, Gnarrk il nehandertaliano, e lo eleva a main eventer: la sua storia, il suo interrogarsi continuo sulla propria natura e su quella dell’Uomo, rappresenta l’ossatura, il substrato ideologico, sul quale si appoggiano le altre due (quella di Wally West e di Harley Quinn). In un insospettabile sfoggio di cultura vediamo il primitivo riflettere sulla dualità natura/civilizzazione confrontando le teorie di Thomas Hobbes e Jean-Jacques Rousseau per scegliere infine la terza via rappresentata dal componimento “Bright Star” di John Keats: Gnarrk individua quindi la salvezza dell’uomo non nel ritorno alla natura selvaggia (come Rousseau) né in una civilizzazione autoritaria e salvifica (come per Hobbes nel suo Leviathan) ma in una immutabilità del desiderio umano di relazioni autentiche. Per dirla semplicemente: individua la salvezza nell’amore reciproco.
Un desiderio che si connette fortemente alla storia di Wally West che da questo desiderio, di ritrovare i suoi cari scomparsi con Flashpoint, è consumato.
È in questo momento però che la tragedia colpisce Gnarrk che, nei suoi ultimi istanti di vita, riflette sull’allegoria della caverna di Platone ribaltandone però la conclusione: l’Uomo, per essere felice, non deve uscire dalla caverna ma deve esplorarla, conoscerla, perché la caverna è il mondo mentre le ombre proiettate sulla sua parete non sono altro che illusorie e virtuali, simulate, e la vita è una condizione soggettiva.
Ed è proprio dalla soggettività dell’interpretazione di quello che stiamo leggendo, pieno di incongruenze e discrepanze, che siamo investiti: chi è il misterioso assassino? Perché in questo albo vediamo contraddetto il racconto visto nel terzo? Chi ha davvero ucciso Wally West? I lettori sono chiamati a dubitare della realtà stessa laddove questa realtà è il racconto stesso, il fumetto che stiamo leggendo.

In questo contesto si inseriscono i racconti di Harley Quinn, interessante ma più debole degli altri due, e quello, struggente, di Wally West: vittima della crudele ironia che lo vuole simbolo della speranza del Rebirth e contemporaneamente sua vittima più grande essendo sopravvissuto a tutto ciò che dava valore alla propria esistenza e quindi alle proprie speranza.
Singolare come Mitch Gerads riesca a tradurre i tre diversi registri narrativi in tre stili diversi senza però perdere di omogeneità e riuscendo a restare coerente con l’atmosfera generale della serie impostata da Clay Mann (autore della tavole di apertura e di chiusura).
Il talento di questo disegnatore fa sì che quelle discrepanze di cui sopra, che altrove etichetteremmo come distrazione, imprecisione o semplice divertissement, qui diventa un indizio: come ad esempio la copia di Strange Adventures #45 (1954) che si trova sul pavimento della stanza di Wally.
La storia di apertura di quel fumetto racconta la vicenda di una coppia che viene portata in una Terra parallela dove la specie dominante è quella dei gorilla mentre gli umani sono estinti; i due coniugi, pur potendo fuggire, decidono di continuare a vivere in gabbia, da prigionieri, osservati come animali allo zoo, piuttosto che affrontare le difficoltà che hanno nel proprio mondo di origine. Si preferisce la sicurezza di una vita simulata all’incertezza della libertà assoluta.

In questo numero di Wednesday Warriors:

Gufu’s Version

TEEN TITANS #27 di Adam Glass e Bernard Chang

Scrivere Teen Titans è spesso, perdonate il gioco di parole, un’impresa titanica: a differenza della maggior parte dei fumetti di supereroi questa testata concentra in sé diverse problematiche legate, in misura variabile al rapporto affettivo che si instaura tra personaggi e lettori.
La difficoltà principale è quella che affronta un team di autori, normalmente adulti, nel dover raccontare il mondo dalla prospettiva di un adolescente senza ricadere in paternalismi o in facili critiche (“eh, signora mia, i giovani d’oggi”), ma, essendo un tipo di ostacolo che tutti gli scrittori affrontano costantemente nel corso della loro carriera – essendo comunque sempre chiamati a raccontare le vite di persone diverse da sé – è al tempo stesso la problematica più semplice da risolvere.
Teen Titans però ha una genesi unica, originariamente il gruppo è composto dalle spalle adolescenti dei supereroi adulti, che è costitutiva e imprescindibile: i protagonisti della serie devono forzatamente essere adolescenti e, almeno in parte, sidekick. Il vero nodo di Teen Titans è quindi quello di dover cambiare periodicamente la formazione del gruppo man mano che i protagonisti diventano adulti mantenendo però una “quota sidekick” per restare fedeli alla la tematica del contrasto generazionale. Pertanto il gruppo non può essere composto da supereroi teenager “random”, ci hanno provato e non ha funzionato, ma  tutti gli elementi devono avere delle caratteristiche ben precise per non snaturare la serie stessa.
Questo continuo cambio di roster ha come prima conseguenza una rottura col proprio pubblico, la dinamica dell’immedesimazione con i personaggi, il processo affettivo che si instaura coi lettori, fondamentale in una serie indirizzata a un pubblico adolescente, viene a mancare nel momento in cui si cambiano gli interpreti principali di Teen Titans.
Ed è qui che gli autori devono intervenire per riuscire a ricreare quel legame con il pubblico: operazione che non sempre ha successo.
Nel caso in questione è ancora presto per dire se Adam Glass e Bernard Chang siano riusciti a costruire uno di quei team che restano nel cuore dei lettori, ma questi primi passi sembrano andare nella giusta direzione.
Prendendo a modello i New Teen Titans di Marv Wolfman e George Pérez, la serie presenta un mix bilanciato di personaggi noti (Robin, Kid Flash e Red Arrow) e inediti (Djnn, Crush e Roundhouse) che offre agli autori di giocare sul doppio binario della familiarità e della scoperta. In questo capitolo, più riflessivo rispetto ai precedenti, Glass usa un espediente tipico della narrazione seriale, e della sit-com nello specifico, facendo agire i protagonisti a coppie inserendoli in contesti diversi; in questo modo riesce ad approfondire le dinamiche tra i personaggi e, con esse, esplorare il background degli stessi.
Scopriamo così qualcosa sui nuovi membri dei Titans, soprattutto su Djinn, e allo stesso tempo, tutti gli interpreti guadagnano un po’ di quello spessore necessario a distinguerli dal semplice artificio narrativo rendendoli più reali agli occhi del lettore e quindi empaticamente più vicini.
In questo senso funziona benissimo il tratto sintetico, più prossimo al cartoon che all’iperrealismo, di Chang che rende il processo di identificazione e di affezione più semplice e automatico.
Questa incarnazione dei Teen Titans ha tutte le carte in regola per diventare una serie generazionale, di quelle che i teenager di oggi potranno ricordare in futuro come “i miei Titans”

Bam’s Version

WOLVERINE: INFINITY WATCH #1 di Gerry Duggan e Andy MacDonald.

Dopo un anno, l’operazione di resurrezione di Wolverine può essere bollata come un vero pastrocchio. Editorialmente parlando, riportare in vita Logan ha coinvolto una dozzina di serie, creato un mini-evento autocontenuto, “Hunt For Wolverine”, una miniserie apposita, “Return of Wolverine” e costretto a vari intrecci con le “Infinity Wars” di Gerry Duggan.
É proprio Duggan a recuperare l’Artigliato Canadese per questa “Wolverine: Infinity Watch”, l’ennesima storia volta a infilare – ad ogni costo – Wolverine nella continuity Marvel che è andata avanti senza di lui.

“Infinity Watch” è da considerare immediato sequel di “Return Of Wolverine” di Charles Soule – ritroviamo Wolverine alle soglie dell’Istituto Xavier, solo per scoprirlo imbrigliato in un sadico trucco di Loki, il Dio dell’Inganno. A seguito dell’introduzione del fratellastro del Dio del Tuono, il fumetto smette di essere incentrato su Wolverine e si trasforma in un epilogo delle Guerre dell’Infinito appena concluso. L’evento cosmico ha fatto tabula rasa degli ultimi anni spaziali Marvel e consegnato una tabula rasa ad i nuovi lettori. Il prezzo da pagare è stato, peró, altissimo: Duggan ha toccato il suo punto più basso da quando è in Marvel, ingarbugliato in troppe sottotrame ed un intreccio principale macchinoso, confusionario e, proprio per questo, per nulla avvincente.

Cosa c’entra, in tutto ciò, Wolverine? Assolutamente nulla.
“Wolverine: Infinity Watch”, in copertina, può sembrare il pretesto per un’avventura spaziale dell’Artigliato ma, all’interno, si rivela un epilogo non necessario ad un evento che nessuno voleva leggere. Un numero di debutto pesante, didascalico e che funge da “riassuntone” per tutti quelli che, per un motivo o l’altro, si aspettavano un fumetto pieno di snikt e “cocco” e si sono invece ritrovati impelagati nella mania da collezionista delle Gemme dell’Infinito di Loki. Modesto il lavoro di Andy MacDonald ai disegni, un tratto simpatico, grinzoso e ben colorato da Jordie Bellaire, ma nulla di imprescindibile o must see, niente che possa salvare capra e cavoli. Se cercate altre letture dedicate a Wolverine, “Dead Man Logan” di Brisson e Henderson saprà accontentarvi.

VENOM #11 di Donny Cates, Joshua Cassara e Ryan Stegman.

Giochino divertente, quello delle retcon. Sin dalla nascita di questo escamotage narrativo, le operazioni di rifinitura, cancellazione e riscrittura di eventi del passato hanno causato guai per gli scrittori, i personaggi e, molto spesso, moti d’impeto tra i lettori. Un colpo di spugna che copre spiacevoli erroracci del passato, obbrobri di continuity, permettendo di modificare aspetti della vita editoriale di un personaggio e rimodellarli a proprio piacimento.

Donny Cates ha fatto della retcon, di questo processo continuo di smantellamento e risanamento, la raison d’être del suo “Venom”.  Un tipo di scrittura invasivo, forse, ma mai insensato o scellerato. Sin dall’inizio della serie, Cates ha saputo gestire il tortuoso passato di Eddie Brock e scomporre il personaggio in diversi segmenti, ne ha distrutto le fondamenta e lo ha ricostruito, consegnando al lettore un antieroe, mosso perlopiù da una spinta positiva, ma che al tempo stesso combatte le sue peggiori pulsioni negative. Un protagonista, dunque, che mantiene il suo appeal e carisma oscuro, violento, ma combatte per migliorare se stesso e utilizzare il suo potere alieno a fin di bene. La domanda diventa un’altra, quindi: quali benefici trae il simbionte da Eddie Brock? Cosa costa, quale prezzo comporta questa vita a metà, divisa con un parassita in grado, in ogni momento, di dominare il corpo ospite?
Anche in questo undicesimo numero – che lo stesso Cates ha ammesso essere fondamentale per tutto il percorso da lui imbastito – il passato di Eddie Brock e le interferenze del simbionte in esso sono assolute protagoniste.

La narrazione del numero è alternata, intrecciata tra realtà e subconscio. Eddie Brock si trova, ad apertura dell’albo, sotto il bisturi del Creatore, villain che Cates ha introdotto a sorpresa. Ryan Stegman non cala d’intensità, regalando una prova maiuscola e rimanendo in tono con il suo vertiginoso picco di qualitá, eppure é in disparte: Joshua Cassara é il vero protagonista artistico del fumetto, impegnato ad illustrare le sequenze oniriche che sconvolgono la mente del povero Brock. Alle linee morbide ma massicce di Stegman, Cassara affianca volti squadrati e una suddivisione della pagina irregolare ed imprevedibile, spesso “invaso” da un simbionte sporco, grezzo e perfettamente colorato dal veterano Frank Martin.

In questo turbinio psicotico rosso sangue e nero pece, fatto di dialoghi nervosi, perlopiù spezzati, rabbia che finalmente esplode e collera che viene sputata fuori in monologhi interni, Cates cala un altro asso in questa nervosa partita a carte con i punti oscuri del passato di Brock. «Everything you knew is wrong» sembra davvero diventato il mantra di questa serie, che ad ogni opportunità riscrive la storia di Venom, ne cambia dettagli fondamentali ed aggiunge particolari devastanti, che offrono nuove prospettive e opportunità narrative. Con “Venom” e, specialmente, con questo Donny Cates, non ci si annoia mai.

In questo numero di Wednesday Warriors:

Bam’s Version

THOR #10 di Jason Aaron e Mike Del Mundo.

È da più di sette anni che il lavoro di Jason Aaron sul Dio del Tuono riempie le pagine dedicate al Tonante in Marvel. Lavorando con giganteschi concept che mescolano tradizione e mitologia norrena e la piú classica delle strutture supereroistiche, Aaron ha saputo presentare una pletora di dèi con divini problemi, per citare il Sorridente Stan Lee.
In questo lungo processo di umanizzazione degli Dei Asgardiani, un personaggio in particolare si è sempre saputo distinguere, un protagonista secondario che è stato fondamentale in ogni svolta narrativa della storia finora e che si è rivelato uno dei personaggi preferiti dello stesso Aaron – e del sottoscritto.

Senza la figura del Padre di Tutti, senza Odino, il “Thor” di Aaron avrebbe un quarto dell’intensità che ha sfoggiato finora. Un rudere della vecchia Asgard, ossessionato dallo splendore del suo regno, riluttante ad aprire l’occhio e notare come i Dieci Regni stessero per ritorcersi l’uno contro l’altro. L’ascesa di Malekith e l’arrivo della Guerra dei Regni sono state inconsciamente supportate dalla furia di Odino, mortalmente intenzionato a distruggere la donna che impugnava Mjölnir, Jane Foster, rea di aver usurpato la memoria e la potenza – tutta tossicamente mascolina – di Asgard.

Eppure, Odino non è mai stato classificato come un villain. Jason Aaron ne ha esplorato diverse sfaccettature e lo ha utilizzato in vari ruoli: custode di indicibili segreti, acerrimo nemico degli invasori del Regno, marito impossibile da sopportare, egoista oltre ogni concezione umana, figura tormentata dal peso della corona e delle responsabilità, un Dio a cui tutto era concesso e dovuto proprio in virtù del suo essere Padre di Tutti.
Odino è il prodotto di un sistema antiquato, classico, tuttavia superato. È il mausoleo di una Asgard che non esiste più se non nella memoria, un sovrano che ha regnato eccedendo in tutto, boria, conflitti, discussioni, frustrazione e, soprattutto, vivendo in maniera altalenante il rapporto con i suoi figli.

Al centro di questo #10 c’è proprio il legame che unisce padri e figli e, alle soglie della Guerra dei Regni, Thor e Odino si affrontano senza risparmiarsi.
È proprio il concetto del nome “Padre degli Dei” che sembra riecheggiare ironicamente tra le pagine dell’albo: come si può tenere fede al ruolo di All-Father se, per Odino, è stato praticamente impossibile essere un padre presente ed amorevole anche per il solo Thor? I due non si risparmiano sferzate al vetriolo, insulti e dialoghi che sfiorano l’alta lirica germanica e cascano poi nel disperato tentativo di ferire “l’avversario”. Osservare lo scontro dal punto di vista di Odino ribalta la prospettiva del lettore, che si trova a contatto con una figura altamente empatica, un bambino diventato uomo, poi diventato padre, che non ha saputo allontanarsi dal dolore e dalle ferite che il suo tortuoso processo di crescita gli ha inferto.

Mike Del Mundo è protagonista quanto il Dio del Tuono e il furioso Figlio di Bor. L’artista, strepitoso in copertine e illustrazioni, ha finalmente trovato una sua linea guida da seguire e si é trasformato in altrettanto incredibile artista interno. La suddivisione delle vignette, la “gabbia”, non imprigiona il tratto sfarzosamente pop, coloratissimo e iper-attivo di Del Mundo. I centellinati momenti di libertà sono un’iniezione di adrenalina, con l’artista che gioca con i personaggi e la loro fisicità, sfrutta un centinaio di martelli e li unisce, risultando botte da orbi e occhi neri, tutto costruito sulle parole, e le emozioni riversate in esso, di un altro, straordinario script di Aaron.

WONDER TWINS #1 di Mark Russell e Stephen Byrne.

Il nome di Mark Russell andrebbe, senza alcuna ombra di dubbio, inserito tra quelli delle rising stars del fumetto statunitense. Ma anche catalogandolo insieme ad altri nomi, Russell ha saputo avere una marcia in più, facendo dell’ironia tagliente, dello humor nero e della onnipresente critica sociale il suo marchio di fabbrica.

Per puntare ancora di piú su questo spirito ribelle e dissacrante, DC Comics ha saputo sfruttare Russell in maniera satellite alle sue storie principali, dandogli l’opportunitá di scrivere personaggi come Lex Luthor e la Lanterna Verde John Stewart in rari – e bizzarri – crossover con i personaggi Hanna-Barbera e Looney Tunes. Con il lancio della linea “Wonder Comics”, Brian Michael Bendis e DC Comics hanno trovato l’occasione giusta per far sfiziare Russell con Superman, Batman, Wonder Woman e molti altri ancora.

Creati al delirante tramonto degli anni ‘70, i Gemelli Meraviglia di Nelson Bridwell e Ramona Fradon hanno sempre vissuto il loro status da personaggi di serie C, una battuta ricorrente non aiutata dalle loro comparsate nella serie animata I SuperAmici, versione della Justice League per i più piccini. Mark Russell sa benissimo che sfruttare la componente supereroistica sarebbe da sciocchi, del resto i gemelli Jayna e Zan di Exxor non hanno chissà quali incredibili poteri: la prima può mutare in vari animali, mentre il secondo trasformarsi in varie forme d’acqua, da liquido a solido a gassoso.

L’autore si sente a casa e sfrutta il grande potenziale comedy, un umorismo che nasce dal concept di due gemelli alieni spediti sulla Terra, costretti a districarsi tra teenager annoiati e/o attizzati. Il liceo che fa da ambientazione vive di tutti gli stereotipi che la cultura statunitense ci ha propinato in questi anni; a questo iniziale cocktail di situazioni assurde e irriverenti, Russell aggiunge la massiccia presenza della Justice League, con i due gemelli alieni incaricati di “fare da custodi” alla Hall Of Justice. Ma non c’è da aspettarsi seriosità o trame impegnative, perché nemmeno la Trinità si salva dallo spirito ironico di Russell, che si fa più volte beffe dei supereroi più importanti dell’universo DC.
L’albo è pieno di piccole e grandi battute, trovate geniali e innuendo. Raccontarle e sottolineare le risate ad alta voce fatte durante la lettura non renderebbe minimamente giustizia al lavoro dello scrittore.

Ai disegni, Stephen Byrne è certamente adatto al tono della storia, con uno stile giovane, fresco e valorizzato da una buona palette di colori – anche se dei toni piatti da classico comic book avrebbero creato un interessante contrasto artistico e narrativo. Tuttavia, il fumetto può risultare statico, con poca dinamicità, con un forte rischio di diventare, agli occhi, ripetitivo con il passare dei numeri.

“Wonder Twins” è un ottimo primo approccio al genio comico di Russell, un fumetto che può sicuramente osare di più sul piano artistico ma che pianta saldamente i piedi nell’Universo DC, proponendo qualcosa di fuori dagli schemi e radicalmente differente. Una serie comedy con risvolti teen drama, formula che raramente vediamo applicata alla Distinta Concorrenza.

Gufu’s Version

SAVAGE SWORD OF CONAN #1 di Gerry Duggan e Ron Garney

A poco più di un mese dall’uscita di Conan The Barbarian la Marvel Comics riporta nelle librerie USA la gloriosa testata Savage Sword of Conan; quella che tra il 1974 e il 1995 è stata una rivista dedicata a un pubblico adulto, in bianco e nero e con un formato più grande, viene riproposta oggi nel classico formato comic book che si distingue dalla testata gemella nella struttura editoriale. Savage Sword infatti proporrà brevi cicli di storie che saranno di volta in volta curati da diversi team creativi.

Nel primo capitolo de “Il Culto di Koga Thun”, Gerry Duggan e Ron Garney propongono la loro energica versione del giovane cimmero, qui Conan ha circa 20 anni, alle prese con una (dis)avventura marittima fatta di squali, galee, schiavi e pirati. Il taglio scelto dal team creativo è decisamente sopra le righe e con una traduzione a fumetti più convincente rispetto all’approccio letterario-illustrativo scelto da Jason Aaron e Mamud Asrar per “the barbarian”. L’approccio generale resta comunque coerente alla linea editoriale che vede come punto di riferimento, per tutti gli autori, il Conan delineato da Roy Thomas circa 40 anni fa: Duggan rimarca una delle caratteristiche fondanti del personaggio, l’incapacità di Conan di accettare la resa, e ci costruisce attorno la trama dell’intero episodio. Più della sua forza sovrumana, più della sua abilità con la spada, questa estrema tenacia – chiamiamola così – è il motore, causa scatenante e risoluzione, che porta avanti il racconto; le trenta pagine di questo primo albo scorrono rapidamente e intrattengono il lettore in una continua escalation di sospensione dell’incredulità. Un metodo implausibile se applicato a qualunque altro eroe o antieroe – l’unico personaggio dei fumetti che si avvicina a queste dinamiche è, probabilmente, il “nostro” Tex.

Ron Garney adotta un tratto frammentato e ricco di campiture nere che, abbinato ai colori rarefatti di Richard Isanove, donano alla storia un’atmosfera cupa e indefinita consona agli aspetti più mitologico-soprannaturali tipici dello Sword & Sorcery.
Il muscolare Conan di Duggan e Garney è una piacevole sorpresa nell’ambito dell’intero progetto che vede il ritorno della creatura di Robert E. Howard in casa Marvel.

SUPERMAN #8 di Brian Michael Bendis, Ivan Reis e Brandon Peterson

Prosegue l’arco narrativo “Unity Saga: The House of El” in cui gli autori indagano sul Jor El e raccontano i retroscena del viaggio di Jon Kent con il suo nonno Kryptoniano.
Brian Michael Bendis lascia che sia Jon stesso a raccontare ai propri genitori quanto successo nel periodo passato a vagare per la galassia raccontando quindi la storia per flashback. Il racconto procede dunque su due linee temporali parallele: quella presente, illustrata da Ivan Reis, e quella del racconto di Jon, che vede Brandon Peterson ai disegni; una scelta figlia della necessità di mantenere in scena il titolare della testata – Superman – che sarebbe altrimenti stato relegato al ruolo di semplice comparsa, che ha però il difetto di rendere il ritmo più compassato e a tratti macchinoso.

Di contro stupisce sempre l’abilità di Bendis nel saper rendere credibili i personaggi che è chiamato a gestire, e lo fa grazie alla verosimiglianza dei dialoghi, frammentati, ricchi di reiterazioni e a volte carichi delle incoerenze tipiche del parlato quotidiano. Dialoghi che riescono a comunicare anche ciò che non viene detto esplicitamente, parlando per sottintesi e pause, lasciando al lettore il compito di “unire i puntini” e, così facendo, coinvolgendolo nel processo creativo e amplificandone la risposta emotiva ben più di quanto possa fare una prosa elaboratamente sofisticata.
Ovviamente questo tipo di scrittura richiede una conoscenza dei propri limiti, che lo scrittore ha ampiamente sondato nel corso della sua carriera, oltrepassati i quali il testo diventerebbe un ostacolo alla fruizione della storia: non è questo il caso e Bendis riesce a darci un ritratto interessante di Jon Kent, convincente nella descrizione delle sue difficoltà tipicamente adolescenziali.

Al di là dell’ottimo lavoro sul giovane Superboy il team creativo si distingue per la resa efficiente di tutti gli altri personaggi, il Superman di Ivan Reis è una miscela di classico e moderno che reinterpreta in chiave contemporanea tutti gli stilemi del personaggio senza mai tradirli, una prestazione maiuscola del disegnatore che mette in ombra il lavoro meno convincente di Brandon Peterson, quest’ultimo segna un passo indietro rispetto alle sue recenti prove su Titans, soprattutto sul piano della riconoscibilità e coerenza dei personaggi, che riscatta parzialmente con una bella composizione.
Segnalazione doverosa per la sorpresa finale, un ritorno che solleva molte domande e promette parecchia azione.

In questo numero di Wednesday Warriors:

Bam’s Version

DAREDEVIL #1 di Chip Zdarsky e Marco Checchetto.

Nel marasma editoriale e creativo Marvel del 2018, il Diavolo di Hell’s Kitchen sembrava essere stato escluso dalla spinta del Fresh Start. Le trame di Charles Soule escludevano ribaltoni, tra sindaci di New York «corruptus in extremis» e una trama che stentò a trovare un qualsivoglia mordente. Una storia perlopiù anemica, incapace di catturare la forza del personaggio e, quantomeno, di sfruttare la prospettiva da legal drama che Soule aveva mostrato di saper padroneggiare. Inutile dire che la stragrande maggioranza dei fan del Cornetto ha tirato un sospiro di sollievo all’annuncio dell’arrivo di Chip Zdarsky e Marco Checchetto.

Daredevil #1 parte con un Matt Murdock lontano dalle aule di tribunale. Capelli incolti, aria spavalda, antidolorifici, sex appeal e malinconia: Marco Checchetto canalizza tutto il fascino di un giovane Robert Redford nella rappresentazione di un protagonista libero da vincoli, apparentemente ringiovanito. Ma alla base di questo nuovo Daredevil c’è soprattutto un processo di ricostruzione. Un work in progress che già da questo debutto è nucleo della trama principale.

“The Death Of Daredevil” di Soule e “Man Without Fear” di Jed MacKay hanno consegnato a Zdarsky un Matt Murdock lontano dalle sue sicurezze, nuovamente Daredevil ma lontano dall’Uomo Senza Paura che il lettore ha imparato a conoscere.
Il processo di recovery, anticipa Zdarsky, sarà lungo e tortuoso. É proprio qui che si trova il fascino di questo primo, nuovo “Daredevil”. Ogni evento del fumetto é funzionale alla diffusione di questo dubbio. La crisi di fiducia che ha colpito il personaggio é stata trascinata a questa nuova serie. Avremo di nuovo l’Uomo Senza Paura? Il peso degli acciacchi, della responsabilità e degli errori commessi saranno un prezzo troppo alto da pagare?
Lo scrittore cerca la riflessione, disposto a metter da parte velleità da debutto che impongono momenti ad alto tasso adrenalinico e testosterone.
Il Diavolo é lontano dal suo apice fisico e mentale e, tra le pieghe del costume rosso e le nocche insanguinate, c’è molto di più, stavolta, da osservare.

Zdarsky opta per un numero di debutto concentrato tutto sul personaggio, con un breve accenno alle trame orizzontali ed un intrigante esordio di un personaggio secondario che potrebbe cambiare parecchie dinamiche alla tradizionale formula del supereroe vigilante.
Di fianco all’intreccio principale, Zdarsky non resiste alla tentazione ed esplora, come tanti prima di lui, il passato di Matt Murdock, sviscerato attraverso momenti salienti della sua crescita. Gioca un ruolo fondamentale la religione del protagonista, la violenza nascosta nel suo cuore, il suo rapporto con la giustizia e la sottile linea che la separa dalla vendetta. Qui spunta la voce del Matt Murdock di Zdarsky, un personaggio che ha vissuto le discrepanze di un fragile equilibrio: arrabbiato con il mondo e con Dio per ciò che gli ha tolto, tuttavia ancora in grado di trovare la forza di fare del bene e proteggere Hell’s Kitchen.

Marco Checchetto e la semplicitá dello story-telling sono protagonisti tanto quanto l’interessante sceneggiatura di Zdarsky. Personaggi marcati da linee chiarissime e definite si muovono in una New York sporca, fatta di criminali e poliziotti, ancora più viva grazie ai colori di Sunny Gho. I personaggi sono attori che Checchetto gestisce perfettamente. Proprio con Murdock, l’artista sa di avere una grande varietà di emozioni da mostrare e, dalla rabbia alla paura, il Diavolo rivela tutto e lo fa al meglio, anche sotto la maschera.

Daredevil #1 ha il pregio di evitare qualsiasi scimmiottamento alla serie Marvel / Netflix, prediligendo una narrazione muscolare e, al tempo stesso, parecchio introspettiva. Un Matt Murdock fuori dalla sua zona di comfort permette a Zdarsky e Checchetto di giocare con un Diavolo che, da qualche anno, sembra spuntato delle sue corna rosso sangue.
Finalmente, Hell’s Kitchen sembra aver trovato nuovamente il suo protettore.

UNCANNY X-MEN #11 di Matthew Rosenberg, Salvador Larroca, John McCrea e Juanán Ramirez.

«Every X-Men story is the same.»

Leggendo la prima pagina di Uncanny X-Men #11, verrebbe da chiudere l’albo seduta stante. Matthew Rosenberg ci avvisa con un pensiero in un balloon rosso, piazzato al centro di una prima pagina nera. Ma se ogni storia degli X-Men è uguale all’altra, perché dunque leggere questo undicesimo numero di Uncanny X-Men? Cosa nascondono di diverso queste sessantaquattro pagine?

Il mondo si trova ancora una volta coinvolto in un ciclo di terrore e pregiudizi: il vaccino anti-mutante ha ridato speranza agli umani, sempre più intolleranti ed impauriti dalle bombe atomiche a piede libero tra loro. L’orlo dell’estinzione ed il clima d’odio sono componenti fondamentali, quasi cicliche degli X-Men.
Eppure, Rosenberg calca la mano, non rinuncia a qualche colpo sotto la cintura e l’atmosfera descritta è lontana dal clamore delle battaglie in spandex aderente. Amarezza, paura e rancore dominano i dialoghi, un sostegno più che valido ai disegni di un Salvador Larroca lontano dai suoi anni migliori – ma comunque funzionale al racconto, aiutato dai colori di Rachelle Rosenberg che ha aspramente criticato, in una forte caduta di stile.

Se a Larroca tocca il compito di illustrare il ritorno di Ciclope, depresso, ubriaco e disperato, allo stile di John McCrea si addice di più il rientro di Wolverine: questi due racconti paralleli saranno al centro della trama principale, due punti di vista che seguono lo stesso percorso e tastano il polso del mondo mutante intorno a loro. Due perni della struttura narrativa degli X-Men si trovano così costretti ad incastrarsi nuovamente nelle trame dopo esserne stati allontanati per anni. Le loro differenze d’opinione li hanno separati in maniera drastica e il fato – o le esigenze editoriali, che dir si voglia – li ha costretti al riavvicinamento.

Rosenberg ha la fortuna di poter utilizzare due personaggi freschi di ritorno dal mondo dei morti: Uncanny X-Men recupera due protagonisti di calibro pesante, carismatici e pieni di contraddizioni e zone d’ombra. Si riempie cosí un vuoto pesante, un vuoto che ha segnato il destino di molte testate mutanti negli ultimi anni.
Mancava quel personaggio che potesse assumere la leadership degli X-Men senza far storcere il naso ai fan piú duri e puri. Otto anni dopo lo Scisma di Jason Aaron, Ciclope e Wolverine tornano a fare squadra, a riunirsi in battaglia nel momento più alto dell’albo, regalando il feel good moment che serviva per catalizzare l’energia positiva per la rinascita degli Uomini-X.

Né Ciclope né Wolverine, tuttavia, costituiscono la parte più interessante di Uncanny X-Men #11, un numero tenuto in piedi da un unico personaggio, che lo scrittore utilizza in maniera intelligente e, al tempo stesso, triste. La mutante Blindfold è il simbolo dell’atmosfera cupa che Rosenberg ha voluto imprimere. Il suo racconto passa dalle matite di Larroca a quelle di McCrea, fino ad un epilogo di Juanan Ramirez. In lei, Rosenberg ritrae la sofferenza e la spirale depressiva di chi soffre la persecuzione, di chi si vede senza futuro – nonostante il suo potere sia proprio la preveggenza. Una metafora che colpisce come un treno e segna un punto di non ritorno per questo #11 che sa tanto di #1.

Se «ogni storia degli X-Men é sempre la stessa», Rosenberg e il team artistico tengono a sottolineare questo ciclo infinito di sofferenza per i mutanti, odiati e temuti per tradizione stessa della Casa delle Idee. Sostanzialmente, Uncanny X-Men #11 non offre niente di rivoluzionario, eppure segna un drastico cambio di direzione per il più recente rilancio editoriale dei mutanti. Rosenberg si incammina su un percorso pieno di ostacoli con una flebile luce in fondo al tunnel, due pezzi da novanta come protagonisti e l’idea di scrivere i suoi X-Men, senza compromessi.

Gufu’s Version

FEMALE FURIES #1 di Cecil Castellucci e Adriana Melo

Reduce dall’ottima prova sulle due miniserie dedicate a Shade: the Changing Girl, Cecil Castellucci prende in consegna e Furie Femminili: il corpo di élite creato da Granny Goodnes al servizio di Darkseid, il Signore e padrone di Apokolips.
Create da Jack Kirby nell’ambito della sua Saga del Quarto Mondo, le Furie sono sempre state una figura di contorno in questo ambizioso progetto autoriale del Re, più funzionali alla storia di Mister Miracle e Big Barda che personaggi a tutto tondo capaci di reggere una serie autonoma.
La Castellucci si trova quindi con dei personaggi sostanzialmente vergini a cui deve dare un’identità e uno scopo narrativo nuovo, identità che l’autrice cerca e trova tra le pieghe del dibattito sociale odierno. Scelta intelligente e sensata soprattutto alla luce del fatto che tutta la saga dei New Gods era nelle intenzioni di Kirby una lettura della propria contemporaneità.
È così che tutto il primo capitolo di Fatale Furies è intriso di palesi riferimenti alla condizione delle donne nella società contemporanea: succede quindi che su Apokolips, come sul nostro pianeta, le donne vengono sottovalutate, anche quelle che – come le Furie – possono romperti l’osso del collo con un ceffone, e che vengano giudicate in base all’aspetto fisico. Succede che i colleghi uomini le derubino dei loro meriti legittimi (anche e soprattutto quando questi meriti contemplano omicidi e altre efferatezze) e che ci siano altre donne che si rivelano maschiliste anch’esse riproponendo frasi a noi familiari quali: “se l’è cercata” o “se cura così il suo aspetto è normale che riceva attenzioni”.
Sebbene il soggetto sia ben congegnato e ricco di spunti interessanti soffre un po’ la necessità (imposta?) di andare incontro ai potenziali nuovi lettori: i dialoghi risultano così fin troppo didascalici perdendo di naturalezza e credibilità. Non aiuta in questo il tratto legnoso di Adriana Melo che sembra non saper gestire bene la recitazione dei suoi personaggi, che assumono pose ed espressioni rigide e poco naturali.
Fanno da contraltare delle belle trovate, su tutte quella di raccontare i flashback semplificando il tratto e utilizzando solamente colori piatti: in questi passaggi le tavole ricordano un certo stile anni ‘90, quello dei primi albi Vertigo per intenderci, che fa compiere un vero balzo nella memoria ai lettori più stagionati.
L’albo è ricco di belle idee e di potenzialità e, al netto delle criticità sopra espresse, risulta piacevolmente scorrevole e interessante.

THE GREEN LANTERN #4 di Grant Morrison e Liam Sharp

Grant Morrison e Liam Sharp continuano il loro percorso di ridefinizione di Hal Jordan, un percorso che, a differenza di quanto fatto nel recente passato delle Lanterne Verdi, si concentra quasi esclusivamente sulla figura di Hal mettendo in disparte il Corpo delle Lanterne Verdi: qui il nostro eroe dismette le vesti del leader carismatico per assumere il ruolo di cowboy solitario, giustiziere fallibile e sempre più avverso alle regole e all’autorità. Non si tratta di una caratterizzazione inedita, in quanto Hal è sempre stato descritto come un ribelle, ma qui Morrison e Sharp rendono questa sua indole in maniera significativamente più marcata.
In questo albo il duo britannico tralascia parzialmente la struttura delle storie autoconclusive per approfondire la macrotrama che vede l’approssimarsi del conflitto tra Hal Jordan e il Corpo delle Blackstars: tutto è imperniato sul dualismo luce/oscurità rappresentato sia dai poteri delle due fazioni che dai singoli elementi della storia.
Come da sua consuetudine, Morrison riempie il suo soggetto di idee, spunti, personaggi e sottotrame e Sharp, da parte sua, gli fa eco affollando le sue tavole di dettagli e tratteggi fitti.
Siamo lontani dallo standard supereroistico odierno e più vicini al mondo dell’illustrazione, in una ricerca stilistica dal taglio monumentale che riecheggia l’ultimo periodo di Alex Raymond su Flash Gordon: la narrativa di fantascienza per eccellenza.
Ogni tavola è curata maniacalmente, dal soggetto ai disegni, dai personaggi ai dialoghi, andando a comporre un albo complesso che costringe il lettore a tornare indietro per rileggere e comprendere meglio i passaggi più ostici: non siamo ancora dalle parti di The Invisibles o di Nameless, sia chiaro, ma comunque molto lontani dalla tanto vituperata decompressione narrativa di cui si parla tanto.

In questo numero di Wednesday Warriors:

Gufu’s Version

HEROES IN CRISIS #5 di Tom King e Clay Mann

Il Diavolo si annida nei dettagli.

La prima cosa che balza all’occhio sfogliando questo episodio di Heroes in Crisis è la perizia con cui Clay Mann si dedica alla cura dei dettagli e, come per la splendida doppia pagina con Booster Gold e Blue Beetle sul divano, a nascondere messaggi più o meno visibili ai lettori attenti.

Le parti scarabocchiate col paint non sono opera di Clay Mann

Quello che potrebbe sembrare un vezzo dell’artista rientra chiaramente in una strategia narrativa messa a punto dall’intero team creativo, l’albo si apre con un esplicito invito a guardare e il verbo “to see” è ripetuto insistentemente nel corso delle 24 pagine che compongono questo capitolo della miniserie: proprio in questa prima pagine c’è un dettaglio “sbagliato” che potrebbe voler dire molto.
Questa strategia, fatta di indizi nascosti tra le parole e di disegni dettagliati comporta un naturale rallentamento della lettura: una conseguenza che risponde sia a un’esigenza puramente editoriale – evitare che il lettore termini l’albo in pochi minuti lasciando una sensazione di insoddisfazione nei confronti della spesa effettuata – che più strettamente narrativa: in una storia che punta più sul coinvolgimento emotivo che sull’avanzamento del plot il valore delle pause è determinante.

Una questione di armonia

Nella teoria musicale un accordo è dato da più note, diverse tra loro, che suonate assieme danno vita a un suono che è più della semplice somma tra le suddette note (sento già il suono di diversi insegnanti di musica che si stanno impiccando per via di questa mia grossolanità).
Alla stessa maniera si può costruire un racconto, in questo caso una tavola di fumetto, facendo risuonare armonicamente diverse voci che siano collegate tra loro.

Qui abbiamo un “tema”, la tonica, (la foto di un noto personaggio apparentemente morto) che fa da filo conduttore a una serie di parole pronunciate da persone diverse in contesti diversi che però sono legate da similitudini:
See-Eye
Travel-Place
Life-Birthday

con il posizionamento delle suddette strategicamente pensato dal bravo Clayton Cowles in modo che leghi coerentemente col tema di cui sopra.
Il tutto genera una pagina dall’andamento estremamente fluido e, appunto, armonico.

Il manifesto dell’eroe

Nell’ambito di quello che viene definito il Nuovo Umanesimo del fumetto supereroico, Heroes in Crisis aggiunge un tassello importante alla riflessione sul genere: se la rivoluzione operata da Stan Lee e soci all’alba della Marvel Comics aveva avvicinato gli eroi in calzamaglia al vissuto quotidiano dei loro lettori, e se il cosiddetto decostruzionismo degli anni ‘80 e ‘90 aveva evidenziato il lato più disturbante e psicologicamente malato della figura del supereroe, questa nuova fase mette in relazione l’umanità dei nostri eroi, la loro fragilità, con l’aspetto più puro e nobile della figura del (super)eroe.
Qui il cortocircuito tra personaggi e lettori è completato grazie a uno dei più coinvolgenti monologhi della storia recente dei comics.

E non è un caso che sia Superman il protagonista di questo discorso, che è sia una riflessione sul proprio ruolo che un appello alle migliori qualità di ognuno. Lettori compresi. Non è un caso perché, oltre a essere il primo dei supereroi è anche, nella sua veste umana, uno scrittore. Ed è in questa sua veste, nell’atto faticoso di scrivere il suo discorso alla stampa, che Clark Kent, carico di dubbi e interrogativi, ci viene mostrato: Clark è l’alter ego di King che parla ai suoi lettori/ascoltatori.
Chiunque può essere un eroe.

Un mistero da risolvere

In questo groviglio di significati stratificati si vanno districando i personaggi coinvolti nelle tre trame che proseguono parallelamente: Superman e Wonder Woman si confrontano con l’opinione pubblica, Booster Gold, aiutato da Blue Beetle, è il cerca della propria redenzione mentre Batgirl e Harley Quinn procedono nell’indagine nella speranza di scoprire il colpevole del massacro avvenuto al Santuario. Si fa avanti e indietro per capire cosa sia successo nel Santuario, si cerca l’assassino per essere certi di non essere gli assassini e i lettori vengono chiamati a tornare sui propri passi, a rileggere le pagine indietro alla ricerca di nuovi indizi.

Ovviamente la storia può essere letta anche in pochissimi minuti, così facendo però si perderebbe sia il succitato coinvolgimento emotivo che la soddisfazione di notare quei dettagli che potrebbero, tra l’altro, contenere degli indizi sul mistero del Santuario. E questo, in una struttura classica da giallo deduttivo come quella di Heroes in Crisis, sarebbe una perdita di non poco conto.

Bam’s Version

AGE OF X-MAN: ALPHA di Zac Thompson, Lonnie Nadler e Ramon Rosanas.

Zac Thompson e Lonnie Nadler lanciano la seconda fase del ritorno degli “Uncanny X-Men” con questo “Age Of X-Man”. Tutto è iniziato proprio con Nate Summers, antagonista principale della serie titolare: l’Uomo-X ha trascinato il resto dei protagonisti in un suo delirio di onnipotenza e ora il mondo “normale” è orfano degli X-Men, catapultati in una realtà parallela dove il sogno mutante si è realizzato oltre ogni più rosea aspettativa.

L’Universo è diventato “Meraviglioso” e gli esseri umani hanno lasciato il posto ai mutanti: l’eccezione e l’anomalia del gene-X è diventata la norma e gli X-Men sono eroi amati da tutti. Da questa apparentemente semplice premessa, Thompson e Nadler creano una nuova utopia mutante ricca di dettagli, composta da uomini e donne eccezionali, che vivono la vita di tutti i giorni con i loro poteri, e i volti noti degli X-Men: Nathan Summers é il Cristo mutante, profeta alla guida del sogno, Nightcrawler conduce due vite di estremo successo, da un lato supereroe e dall’altro attore hollywoodiano, Angelo dirige l’Istituto Summers. Ma anche nel momento più alto della razza mutante, qualcosa va storto e, superato un certo punto della lettura, l’utopia inizia a mostrare il suo lato oscuro, il prezzo da pagare per mantenere vivo il sogno. Gli indizi lasciati dagli autori diventano tristi dogmi, compromessi terrificanti stretti in virtù della realizzazione del mondo perfetto di X-Man.

Nonostante dieci numeri di dubbia qualità, con ritmi altalenanti, “Age Of X-Man: Alpha”, fortunatamente, non soffre degli stessi difetti di “Uncanny X-Men”. Al team artistico a rotazione forsennata rimedia l’incredibile valorizzazione artistica del – giá talentuoso – Ramon Rosanas, rivitalizzato dai colori di Triónna Tree Farrell. Il disegnatore non si risparmia neanche in una vignetta e dà vita ad un mondo davvero unico e mai visto nell’Universo Marvel: gli anni ‘60 degli Originali X-Men di Lee & Kirby incontrano la modernità della tecnologia mutante e i colori “piatti” che riempiono i disegni fanno risaltare i personaggi, immersi in ambienti particolarmente curati. Per cercare un artista più vicino a questa evoluzione artistica, sotto questa nuova veste, Rosanas  si accosta moltissimo a Cliff Chiang – e la cosa può essere solo un bene.

Passare dagli “Uncanny X-Men” privi di mordente ed eccessivamente confusionari ad un one-shot dedicato ad introdurre una realtà alternativa può essere disarmante. Tuttavia, Thompson, Nadler e Rosanas centrano l’obiettivo, rendendo il mondo dell’Era di X-Man interessante e ricco di spunti narrativi da non sottovalutare. Avere la possibilità di costruire una piccola “realtà tascabile” costringe gli autori ad essere più intensi e coerenti sin da subito, rivelando i punti più interessanti del concept senza diluire eccessivamente il tutto. Ne va da sé che questo one-shot è privo di quelle sottotrame ingarbugliate e ballerine, che fanno volare l’occhio del lettore da una location all’altra pur di raccontare tutto e portare avanti piccole storie individuali. Al contrario, Thompson e Nadler preferiscono scrivere spunti di partenza interessanti per le miniserie che nasceranno da questo evento mutante, senza forzare l’introduzione ma raccontando una storia che, organicamente, costruisce un filone principale e le sue ramificazioni. Atmosfere beatnik, controcultura e un regime mascherato da utopia…”Age Of X-Man” può davvero rivelarsi una graditissima svolta nel 2019 mutante.

PETER CANNON: THUNDERBOLT #1 di Kieron Gillen e Caspar Wijngaard.

La Terra sembra essere perduta per sempre. Oscuri cefalopodi alieni hanno scatenato morte e distruzione sulla superficie del pianeta. L’invasione è totale, la sconfitta imminente. I meta-umani di Cina, Russia e Stati Uniti hanno messo da parte le loro differenze per combattere insieme e, quantomeno, tentare di respingere il nemico dallo spazio profondo. Ma hanno bisogno di un tassello mancante…Peter Cannon, alias Thunderbolt. Orfano di genitori, consumati dalla malattia che tentavano disperatamente di curare, Peter è stato cresciuto in un monastero tibetano. Dopo aver raggiunto il picco della perfezione fisica e mentale umana, ha ricevuto in eredità le antiche pergamene contenenti la conoscenza nascosta dei grandi saggi del passato. Capace di sbloccare il 100% delle sue funzioni cerebrali, Peter Cannon ha il compito di preservare questo incredibile dono e di usarlo per proteggere il mondo. Peccato che, di questo mondo corrotto, non gli importi nulla.

Kieron Gillen ritorna al mondo del fumetto supereroistico: lo fa dopo un break di parecchi anni, con più esperienza sulle spalle e tanta voglia di fare la differenza, raccontando qualcosa di diverso. Non a caso, Gillen sceglie di spezzare gli schemi con un personaggio che ha fatto da “base” per costruire l’Ozymandias di Alan Moore e Dave Gibbons in “Watchmen”.
Lo scrittore cerca di staccarsi – ma non troppo – dall’ombra del personaggio che ha ispirato e dall’opera ben più famosa che lo ha visto protagonista; ci sono richiami evidenti, come l’uso di pagine in griglie da nove e la passione per mostri tentacolari sguinzagliati sulla Terra. Ma superati questi elementi, “Peter Cannon: Thunderbolt” #1 sembra voler discutere ancora una volta sul ruolo dei supereroi nel mondo, con il protagonista che cerca in ogni modo di prenderne le distanze.
Peter Cannon non ha alcuna voglia di mischiarsi alla mondanità o prendere parte alle beghe tra le forze politiche che pregano il suo aiuto. Il suo intelletto superiore gli impedisce di immischiarsi in discussioni futili. Gillen riesce a guardare il mondo attraverso gli occhi di Cannon e persino la minaccia della distruzione del pianeta sembra patetica e banale. Arrogante, pieno di sé ed irritante, Thunderbolt rifugge la definizione di “eroe” anche quando deduce la strategia perfetta per risolvere il problema alieno. Solo Tabu, suo tutore e migliore amico, sembra notare la fugace umanità che si nasconde ancora nel suo spirito.

A Caspar Wijngaard e Mary Safro il compito di illustrare e colorare un mondo in rovina. Gli alieni sono minacciosi e dal design intrigante, così come gli eroi della Terra – tutti ispirati da controparti più famose ma capaci di risultare unici ed interessanti. I colori fluo potrebbero infastidire, ma in realtà donano carattere ad un fumetto che vuole intenzionalmente “essere diverso” dal resto; il tratto di Wijngaard si adatta a personaggi dallo stile essenziale ed espressivo, che riempiono pagine meticolosamente divise in classiche griglie di vignette, che scandiscono la narrazione in maniera efficace. L’azione e i dialoghi sono ben calibrati e lo sforzo collettivo del team creativo confeziona un climax che esplode nella rivelazione finale.

Ma come si fa, dunque,  a complicare la vita di un uomo al di sopra del mondo intero? Come si crea il vero incipit di trama che mette in moto la serie? Come catturi il lettore dopo aver mostrato chi è e cosa può fare il tuo protagonista? Cerchi il colpo di genio…e Gillen lo trova.
Il cliff-hanger è solo una ciliegina che chiude un interessantissimo primo numero, una storia anomalo in ogni sua parte, che gira su un protagonista detestabile e in grado di risolvere qualsiasi problema nel giro di pochi minuti. Kieron Gillen e Caspar Wijngaard raccontano di un supereroe all’ennesima potenza, infallibile, distaccato, un eremita moderno che potrebbe dominare il mondo e che, ora, potrebbe essere l’unico in grado di salvarlo da se stesso.