Go Nagai

Di robot magnetici, campane di bronzo e antiche civiltà… JEEG ROBOT D’ACCIAIO!

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Come abbiamo già avuto modo di ricordare , gli ultimi anni del 1970 in Italia, sono stati caratterizzati da una enorme diffusione di prodotti d’animazione giapponese che ha visto la sua massima espressione, soprattutto attraverso le reti televisive locali desiderose di cavalcare l’onda robotica orientale.

E’ così che sulla scia del successo di UFO Robot Goldrake, nel 1979 le tv italiche iniziarono a diffondere le avventure di Jeeg robot d’acciaio!

Il successo di Jeeg sarà così coinvolgente da proseguire per decenni. Addirittura nel febbraio 2016 si è parlato di lui a voce ancora più alta grazie al film cinematografico Lo chiamavano Jeeg Robot di Gabriele Mainetti, vincitore di numerosi premi al David di Donatello e ufficialmente distribuito anche in Giappone con la benedizione di Go Nagai.

La storia di Jeeg, non si discosta troppo dai canoni del tempo. Ci troviamo sulla terra, in un ipotetico Giappone nel pieno sviluppo economico pre-scoppio della bolla speculativa. Questa volta il nemico non viene dallo spazio ma dalle viscere della terra: si tratta del popolo Yamatai. Risvegliatosi a seguito del ritrovamento da parte del Professor Shiba di una campana di bronzo appartenente alla loro regina Himika, gli Yamatai nel tentativo di recuperare l’artefatto che darebbe loro la possibilità di sconfiggere l’umanità, uccidono il professore che tuttavia aveva già tempo prima “nascosto” la campana nel corpo del proprio figlio Hiroshi durante un’operazione in cui, nel tentativo di salvarlo a seguito di un grave incidente, lo trasformò in un cyborg. Da quel momento Hiroshi sarà in grado di trasformarsi in Jeeg, il robot d’acciaio protettore della terra dalla minaccia degli Yamatai!

Dopo gli ottimi risultati ottenuti tra gli appassionati per la prima edizione in bluray di Goldrake, Anime Factory prosegue la sua attività di diffusione sul mercato italiano del catalogo di Koch Media dedicato all’animazione giapponese.

L’intera serie composta da 46 episodi, è racchiusa in due cofanetti da 3 dischi blu-ray BD50 dual layer, cadauno. Come ormai tradizione, l’edizione è di notevole qualità già a partire dai box esterni e i booklet, con la guida agli episodi e i disegni preparatori originali, allegati ad entrambi i volumi. A livello di tecnicismi, ci troviamo di fronte ad un video full HD 1080p, frutto della rimasterizzazione dei supporti originali mentre dal punto di vista audio abbiamo un doppio canale italiano-giapponese 2.0 DTS-HD MA (dual mono). Si annoverano tuttavia, piccole imperfezioni nella traccia audio italiana dovute all’usura dei master originali.

Quello che apprezzo da operazioni di questo tipo, più che l’effetto nostalgia, è mantenere inalterato il valore storico e divulgativo dell’opera originale. Riproducendo gli episodi con l’audio giapponese e i sottotitoli in italiano fedeli allo script originale, si ottiene una visione del tutto diversa dell’universo di Jeeg Robot: partendo già dalle sigle con la voce di Ichiro Mizuki con il testo karaoke, passando per il doppiato con le catchphrase molto più accattivanti e coinvolgenti rispetto a quelle meno ortodosse dell’edizione italiana, fino al senso di molti dialoghi e passaggi della storia che i nostri ardimentosi adattatori dell’epoca, avevano non poco snaturato. Anche in questo senso il lavoro di Anime Factory è ineccepibile e restituisce appieno il coinvolgimento che l’opera originale aveva l’obiettivo di trasmettere.

♫♪ Noi restiamo tutti con te … perché tu … tu sei Jeeg! ♪♫ 

Box 1 n. 3 Dischi Bluray – 50,00 €

Box 2 n. 3 Dischi Bluray – 39,99 €

Goldrake in home video, un sogno che si avvera!

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Siamo su Fleed, pianeta di una non meglio specificata galassia, la cui popolazione è preda della violenza dell’esercito di Re Vega: despota intento a mire espansionistiche nel cosmo. La resistenza degli abitanti è messa a dura prova tanto che lo stesso principe, Duke Fleed, è costretto a fuggire a bordo di Goldrake, robot dai grandi poteri. La disperazione porta il nostro a raggiungere la Terra dove verrà accolto, sotto mentite spoglie, dal professor Procton e la sua famiglia. La battaglia con Vega però non è ancora finita…

Questo è l’incipit di UFO Robot Goldrake, il cartone animato giapponese che più di ogni altro è riuscito a creare qualcosa di unico e indimenticabile nel panorama televisivo italiano. Dopo quel 4 aprile 1978, l’intrattenimento per i più giovani (e non solo) cambiò radicalmente: era iniziata l’invasione dei cartoni animati giapponesi!

Sono passati 41 anni ormai dalla prima messa in onda italiana del robot gigante nato dall’immaginazione di Go Nagai, ma ancora oggi Goldrake risiede nei cuori di tanti appassionati che, ora come allora, sono affascinati dalle vicende di Duke Fleed.

La pubblicazione di un’edizione home video è stata da sempre oggetto di numerose dispute circa la detenzione dei diritti per l’estero. Dopo anni bui di pirateria ed edizioni import di dubbia qualità, solo nei primi del 2000 con la D/Visual la speranza di avere in casa un’edizione ufficiale in DVD si concretizzò. Peccato però che gli ultimi due dischi non furono mai pubblicati, lasciando così un vuoto incolmabile nelle librerie degli appassionati.

Ci vollero circa 10 lunghi anni di attesa e la collaborazione fra Yamato Video, RCS e La Gazzetta dello Sport, per assistere alla nascita di un’edizione in DVD completa e fedele alla programmazione tv italiana. Distribuita nel circuito delle edicole, la soluzione, come c’era da aspettarsi, venne molto apprezzata, tant’è che la formula è stata poi riproposta per altri titoli di notevole richiamo.

In molti (me compreso) non cedettero però alle lusinghe dei lucidi dischi, speranzosi che prima o poi sarebbe arrivata un’edizione migliore… e questo momento è arrivato!

Quella che abbiamo il piacere di presentare è la versione in bluray edita da Anime Factory, prodotta nel 2018 in concomitanza con l’anniversario della prima messa in onda italiana.

La serie completa di 74 episodi è divisa in tre box per un totale di 10 dischi; rispetto all’edizione tv italiana, sono stati riportati cronologicamente anche gli episodi che vennero eliminati dalla prima programmazione televisiva.

Il packaging di ciascun box comprende un astuccio in cartoncino leggero, con finiture di buona qualità in stampa patinata lucida, al cui interno è riposta la custodia in plastica con all’interno i dischi. A completamento del tutto, un booklet da collezione di circa 30 pagine a colori spillate che racchiude la guida agli episodi con le relative sinossi, disegni preparatori e collage di fotogrammi della serie.

Dal punto di vista tecnico, ci troviamo di fronte ad un prodotto eccezionale grazie a una totale rimasterizzazione: lavoro non di poco conto se consideriamo che i master di Goldrake hanno quarant’anni alle spalle. Una vera e propria ristrutturazione operata da un team di professionisti e appassionati di animazione, che tramite processi di upscaling e color correction sono riusciti a dare nuova vita al tutto.

Apprezzabile anche il comparto audio per il quale troviamo in formato DTS-HD Master Audio tre tracce: originale giapponese, doppiaggio storico italiano e il ridoppiaggio italiano usato nella prima versione in DVD.

Occorre specificare inoltre che per gli episodi inediti e le scene originariamente non doppiate in italiano, è stato mantenuto l’audio giapponese con il supporto di sottotitoli fedeli.

A livello di extra abbiamo di fatto solo le sigle storiche italiane: forse un po’ misero come contenuto, ma di certo apprezzabile.

Tirando freddamente un bilancio finale sul prodotto, non ho timori nell’affermare che questa possa essere considerata l’edizione italiana di UFO Robot Goldrake definitiva per la quale qualsiasi appassionato, di vecchia data e non, dovrebbe riservare un posto in prima fila sui propri scaffali.

BOX 1
4 dischi – ep. da 01 a 28
45,00 €

BOX 2
3 dischi – ep. da 29 a 52
42,50 €

BOX 3
3 dischi – ep. da 53 a 74
45,00 €

Devilman Grimoire: tremate, tremate, le streghe son tornate!

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Una rivisitazione pop e aggiornata del grande classico di Go Nagai, ricca di citazioni nerd, tutto questo è Devilman G, nuova opera dedicata al demone Amon.

Il 2018 in Italia sembra essere l’anno di Devilman, forte del successo della serie Crybaby (di cui Dimensione Fumetto ha parlato qui e qui), prodotta da Netflix, arriva, grazie a Star Comics, un’altra serie prodotta nel 2012 in occasione del quarantennale della serie classica, così come Devilman vs Hades.

Il plot iniziale prende spunto dal manga classico, ma se ne discosta subito, la protagonista dell’opera è infatti Miki Makimura che si fregia del ruolo di strega grazie all’anello di Salomone. Regalatole dai suoi genitori, questo pare essere l’anello che l’Arcangelo Gabriele donò all’omonimo re e che ha il potere di soggiogare i demoni; è proprio questa nuova caratterizzazione del personaggio di Miki a dare il nome all’opera. Grimoire infatti sta per Grimorio, che altro non è se non un libro di magia che racchiude in sé corrispondenze astrologiche, liste di angeli e demoni, incantesimi, pozioni e tutto ciò che può essere utile a una strega, una sorta di diario/manuale che nel Medioevo le maliarde erano solite scrivere.

A sinistra tavola del Devilman classico di Nagai, a destra tavola di Devilman G di Rui Takato.

Mentre nella serie classica troviamo un forte rapporto, direi morboso, tra Akira Fudo e Ryo Asuka, uno scontro tra luce e ombra, uno scambio di ruoli (Devilman è un demone ma difende gli uomini, Ryo è l’incarnazione di Lucifero, un angelo decaduto che invece vuole annientarli), in questa l’attenzione è posta sul rapporto tra il timido Akira e la giovane e prorompente Miki. Se nella storia classica Amon si fonde con un umano grazie a un’evocazione a opera di Asuka, qui il ruolo di evocatore è dato alla giovane Makimura che improvvisa un incantesimo di salvataggio e ottiene lo stesso effetto, la creazione di un Devilman.

Tavola di Devilman G

I toni questa volta sono smorzati, il target viene abbassato, e le vicende modernizzate, ma pur se cambia la formula il risultato non cambia e l’antica lotta tra bene e male ne esce comunque vincitrice. Le atmosfere più scanzonate vengono spesso interrotte bruscamente da eventi tragici che rimandano subito allo spirito che da sempre caratterizza il titolo, ritroviamo molti dei personaggi storici in vesti diverse, prima tra tutte l’arpia Silen, e il manga è infarcito fin da subito di rimandi all’opera originale e di un grande numero di citazioni a opere note.

La storia sempre in mano a Go Nagai, viene affiancata dal disegno di Rui Takato che ha un tratto meno stilizzato e iconico di quello del Sensei, ma che risulta comunque funzionale e accattivante, un buon uso del pennino e dei chiaroscuri rendono la narrazione molto piacevole e coinvolgente.

Che dire, l’opera sarà composta da cinque volumi bimestrali e io fossi in voi un occhio ce lo butterei, lo svago sarà assicurato!

 

Devilman G – Grimoire: la genesi del demone

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Comunicato stampa – È in dirittura d’arrivo lo spin-off di DEVILMAN che ripercorre le origini del celeberrimo antieroe: il primo volume di DEVILMAN G – GRIMOIRE, di Go Nagai e Rui Takato, sarà disponibile in fumetteria, libreria e Amazon dal 14 Marzo.

Il grido di una ragazzina fa alzare il sipario su una nuova leggenda: la bestia infernale si risveglia e il suo nome è Amon! Quando risplendono le zanne e gli artigli dell’implacabile demone e si dispiegano le sue ali, il mondo viene avvolto nuovamente dalle fiamme e da fiumi di sangue fresco…

A metà fra la parodia del genere majokko e la classica, disturbante storia nagaiana a base di splatter, erotismo e lacerazione, il manca che approfondisce la storia di Akira.

Dal 14 Marzo DEVILMAN G – GRIMOIRE n. 1 sarà disponibile in fumetteria, libreria e Amazon!

Go Nagai non ha bisogno di presentazioni. Nato a Wajima, Giappone, nel 1945, è il creatore dei più famosi “mecha”, giganteschi robot guidati da piloti che li manovrano dall’interno, il cui capostipite è MAZINGA Z, e l’autore dell’uomo diavolo Devilman. Tra le sue opere Edizioni Star Comics ha pubblicato DEVILMAN VS HADES, GOMADEN SHUTENDOJI e SATANIKUS ENMA KERBEROS.

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DEVILMAN G – GRIMOIRE 1
Go Nagai, Rui Takato
13×18, B, col-b/n, pp. 208, con sovraccoperta, € 5,90

Devilman Vs Hades: scontro tra titani

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Cover primo volume italiano.

Devilman Crybaby, la nuova serie Netflix di cui abbiamo parlato qui e qui, ha portato di nuovo alla ribalta il nome del demone con il cuore umano, e spinto dalla rinnovata curiosità ho scoperto questa opera uscita qualche anno fa per la Star Comics.

Go Nagai è un nome che per tutti gli appassionati vuol dire molto, è grazie a lui se si è dato vita a un vero e proprio genere, quello dei robottoni, ma le sue opere non sono limitate solo a questo: innumerevoli i temi trattati, ma è il sovrannaturale a fare da filo conduttore tra tutte.

Il primo manga sul genere fu Mao Dante pubblicato nel 1971, ma lasciato incompiuto fino al 2002: in questa opera troviamo molte delle tematiche care al Maestro, temi che ritroveremo in Mazinga Z e, soprattuto, in Devilman.

La storia di Akira Fudo e della sua fusione con il demone Amon la conosciamo in tanti, soprattutto quelli come me della vecchia guardia: più nota è senza dubbio la trama della serie animata, che fu però molto edulcorata nei toni e nelle tematiche; il vero spirito dell’uomo diavolo lo ritroviamo infatti nel manga con tinte forti, a tratti splatter, e con temi molto più profondi legati all’esistenza dell’uomo, all’eterna lotta tra luce e ombra rappresentata dallo scontro con Satana, le cui vesti terrene sono impersonificate da Ryo Asuka, nonché una spiccata critica alla società moderna.

Quella che ci viene proposta in Devilman vs Hades, opera creata in collaborazione con il Team Moon in occasione del quarantennale di Devilman, è un ipotetico seguito ambientato dopo il finale del manga.

La storia prende il via senza troppi preliminari: troviamo Amon negli Inferi alla ricerca dell’anima della sua amata Miki, convinto che solo il sovrano di questo luogo possa riportarla in vita. Molte sono le divinità infernali a cadere sotto la sua mano e tra queste anche la regina Persefone, la leggendaria compagna di Hades.

Dopo un avvio un po’ incerto la storia esplode all’inizio del secondo volume dove entra in scena niente meno che il Great Mazinger. Il sapiente intreccio ci porta a conoscenza di come la vittoria di Tetsuya fu inconsapevolmente agevolata proprio da queste vicende. Nella serie animata di Great Mazinger l’Imperatore delle Tenebre si ritira e lascia il comando al Dottor Hell: la trama di Devilman vs Hades ci spiega che la causa della sua ritirata è proprio l’arrivo dell’uomo diavolo negli Inferi. Infatti il sovrano del mondo dei morti altri non è che l’Imperatore delle Tenebre, storico nemico del Great Mazinger, raffigurato da una massa informe avvolta nelle fiamme, che qui ha una figura meglio delineata e con sembianze umane.

Come abbiamo potuto apprendere in Shin Mazinger Zero (qui la nostra recensione del seguito Shin Mazinger Zero vs Il Generale Oscuro), le varie storie di Nagai con protagonista Mazinger Z sono ambientate in universi paralleli, e grazie a questa trovata ci sembra plausibile lo sviluppo della storia di Devilman vs Hades ambientata in un mondo parallelo a quello del Great Mazinger, e dove l’Imperatore delle Tenebre deve far ritorno proprio perché la comparsa di Devilman ha destabilizzato l’ordine e messo fine alla vita della sua consorte.

In questa versione ritroviamo molti dei personaggi cari a Nagai: Silen, Jinmen, ma anche tutti i personaggi dell’universo “robotico”, Koji, Boss, Tetsuya e tutti gli altri, che trovano la loro giusta collocazione in questa trama che cerca di dare una spiegazione a molte vicende lasciate in sospeso nelle vecchie storie, ma che, purtroppo, apre anche nuovi interrogativi ai quali, per il momento, non abbiamo avuto risposta. Certo è che i fan del Maestro sono abituati a questo suo modo di fare, ma in questo caso l’opera che aveva raggiunto un ottimo sviluppo di trama e che aveva gettato le basi per delle interessanti vicende, si interrompe nel punto di massima tensione lasciando aperti molti interrogativi.

***SPOILER***

In cosa si trasforma Great Mazinger dopo l’attivazione del motore a energia fotonica? Persefone e Miki sono sul punto di risvegliarsi, ma chi delle due si sveglierà? Lo faranno entrambe? Ritroveremo l’anima umana di Miki nel corpo divino di Persefone? E soprattutto chi avrà la meglio nello scontro tra Devilman e Hades?

***FINE SPOILER***

A sinistra il Devilman di Nagai, a destra l’Akira del Team Moon.

La controparte grafica è ottima e il lavoro svolto dal Team Moon è davvero eccellente, il disegno graffiante e molto dettagliato ben si sposa con le tematiche proposte e anche i pochi intermezzi comici non stonano e ci riportano alla mente quelli già proposti anche nelle serie storiche. Inevitabile il confronto con il tratto del maestro Nagai che aveva connotazioni più caricaturali e abbozzate, al contrario di questo nuovo stile molto più realistico che va a delineare delle figure plastiche e accattivanti. Evidente è anche la scelta di rappresentare i personaggi femminili con tratti più dolci e sinuosi, decisione che strizza fortemente l’occhio al genere hentai.

Benché l’opera sia un chiaro anello di giunzione tra la vecchia e la nuova guardia dei fan, la lettura è consigliata a entrambe le categorie in quanto gli uni ritroveranno dei personaggi molto amati e ben rappresentati, gli altri verranno a conoscenza di un universo fumettistico molto appassionante e si troveranno davanti un buon fumetto, coinvolgente e appassionante, che però lascerà la bocca amara, con un senso di incompiuto, un po’ come un coito interrotto.

Go Nagai, Team MOON
Devilman vs Hades
Serie completa in 3 volumi
Editore: Star Comics
Brossurato con sovraccoperta, cm 13×18, 224 pagg., b/n, € 5,90 a volume

Immagine promozionale di "Devilman Crybaby" di Masaaki Yuasa.

Devilman Crybaby – L’apoteosi di Go Nagai

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Cosa si potrebbe aggiungere all’ottima recensione di Devilman Crybaby scritta da Fabrizio Nocerino? È un onore per me, nagaiano di ferro non girellaro, al netto dell’inevitabile nostalgia, affrontare un palcoscenico del calibro di Dimensione Fumetto proponendo una serie di considerazione sparse proprio su un’opera così divisiva e che tanto ha fatto discutere nelle ultime settimane.

Immagine promozionale di "Devilman Crybaby" di Masaaki Yuasa.

Per parlare di Devilman Crybaby, ultima fatica del regista Masaaki Yuasa, salito alla ribalta per opere come Mind Game, Kaiba e le trasposizioni animate di The Tatami Galaxy e Ping Pong, bisogna parlare della genesi dello sconvolgente Devilman e del suo celebre papà, il Maestro Go Nagai.

Giappone, anni ’70 del XX secolo: la Toei Animation, avendo apprezzato il manga Mao Dante di Go Nagai, propone a questo autore di creare una serie animata ispirata a quest’opera, ma edulcorata, quasi supereroistica, in quanto rivolta a un pubblico di bambini. Parallelamente alla serie TV Devilman, Nagai sviluppa un omonimo manga dai toni maturi e orrorifici; quest’opera, ideata dall’autore per condannare tutte le guerre e alimentata dall’astio di Nagai nei confronti di coloro che avevano attaccato il suo lavoro precedente, Harenchi gakuen (in Italia La scuola senza pudore), entra con prepotenza nell’olimpo mondiale dei fumetti e influenza profondamente moltissimi manga e anime successivi. Un nome su tutti? Neon Genesis Evangelion di Hideaki Anno.

Go Nagai e Masaaki Yuasa davanti al poster di "Devilman Crybaby".

Go Nagai e Masaaki Yuasa posano orgogliosamente davanti al poster di Devilman Crybaby.

Molti anni dopo, XXI secolo: Netflix, il colosso dello streaming, distribuisce in tutto il mondo Devilman Crybaby, prodotto dallo Studio Science Saru, con Masaaki Yuasa alla regia, Ichiro Okouchi alla sceneggiatura, Ayumi Kurashima al character design e Kiyotaka Oshiyama al “devil design”, ovvero il design non solo del protagonista dell’opera, ma anche degli altri demoni.

Devilman Crybaby È il Devilman di Masaaki Yuasa, regista che ha come cifre stilistiche un continuo dinamismo e una plasticità totale: le animazioni in Devilman Crybaby sono particolari, talvolta eccessive all’occhio di uno spettatore non rimasto al passo con l’animazione moderna, ma rimangono sempre al servizio dell’opera e sono, nella quasi totalità, di una qualità sopraffina, anche tenendo conto del fatto che la serie è stata prodotta in sei mesi e che per ben tre episodi le animazioni chiave sono state realizzate da un unico animatore (Tomohisa Shimoyama per l’episodio 4, Kiyotaka Oshiyama per l’episodio 5 e Takashi Kojima per l’episodio 9).

Animazione di "Devilman Crybaby" di Masaaki Yuasa.

Anche il character design è all’altezza di questa ambiziosa operazione: all’inizio delle vicende i personaggi sono tratteggiati in modo molto moderno e kawaii, soprattutto l’imbelle protagonista Akira; con l’ingresso in scena di Devilman il contrasto è a un primissimo impatto stridente ed estraniante, ma subito dopo la dolcezza del tratto si sposa meravigliosamente con la crescente e inarrestabile violenza.

Fotogrammi di "Devilman Crybaby" di Masaaki Yuasa.

L’aspetto dei demoni è un tuffo in una follia psichedelica dai colori accecanti, mentre per il protagonista c’è poco da dire: il Devilman di Oshiyama e Yuasa è bellissimo e quanto più nagaiano possibile.

Poster di "Devilman Crybaby" di Masaaki Yuasa.

L’approccio di Yuasa al capolavoro di Nagai è fortemente autoriale, ovvero omaggia fedelmente l’opera originale e parallelamente la fa sua uscendo a testa alta da questo confronto, esattamente come hanno fatto in precedenza due altri grandi registi d’animazione, da una parte Mamoru Oshii con Ghost in the Shell e Lamù – Beautiful Dreamer, dall’altra Hideaki Anno con Shin Godzilla: in questa chiave dovrebbe essere letto il trasferimento dell’elemento focale di Devilman, il conflitto, dall’esterno verso l’interno, incarnandolo nella figura di Akira/Devilman che soffre per l’infinita crudeltà umana e -non tanto inaspettatamente, in quanto il “crybaby” del titolo significa “piagnone”- versa copiose lacrime in molteplici occasioni.

La miniserie è concepita come un granitico unicum, un titanico film d’animazione: lo si può desumere non solo dal fatto che lo spettatore sia praticamente costretto dalla bellezza della storia e delle animazioni a una fruizione vorace e compulsiva, ma anche dal fatto che la sequenza di apertura, disegnata da Abel Gongora e accompagnata dal brano Man Human di Denki Groove, non sia presente in ogni episodio, ma solo una volta, nella seconda puntata.

Sesso e violenza, inevitabilmente e come nel manga originale, vengono mostrati in abbondanza, ma senza compiacimento, morbosità né perversione. Allo sguardo dello spettatore, guidato con abilità da Yuasa, gli eccessi vengono proposti in modo grottesco e inumano al punto tale da sfociare in una freddezza quasi documentaristica e distaccata: che cosa sono i demoni, se non la controparte nuda e sfrenata degli infimi istinti dell’uomo? Che cosa possono fare, se non uccidere e accoppiarsi indulgendo in questi piaceri?

L’unico appunto che forse si può muovere a una serie come Devilman Crybaby è che dieci episodi siano troppo pochi: forse sarebbe stato il caso di avere un paio di episodi in più per approfondire ulteriormente il drammatico confronto con l’arpia Silen e il rapporto tra il protagonista Akira Fudo e la sua controparte Ryo Asuka.

Fotogramma di "Devilman Crybaby" di Masaaki Yuasa.

Se Devilman Crybaby ha profondamente turbato numerosi nostalgici oltranzisti, d’altro canto ha riscosso successo e consensi in tutto il mondo: il mangaka e character designer Yoshiyuki Sadamoto, che più volte ha dichiarato che Evangelion si è profondamente ispirato al manga di Nagai stilisticamente e concettualmente, ha mostrato apprezzamento nei confronti della serie animata di Yuasa tramite un tweet e uno schizzo del protagonista e del suo antagonista.

Fanart di "Devilman Crybaby" di Masaaki Yuasa disegnata da Yoshiyuki Sadamoto.

Per quanto riguarda il confronto con le precedenti opere del franchise, questa nuova serie animata omaggia anche quella degli anni ’70, che nell’universo di Devilman Crybaby esiste proprio come cartone rivolto ai bambini: in più occasioni sono inseriti riferimenti a essa, come i poster nelle camere dei personaggi e l’inserimento nel primo episodio della opening classica, la celeberrima Devilman no uta (“La canzone di Devilman”), potentemente remixata in chiave dance elettronica da Abu-chan e Kensuke Ushio, quest’ultimo curatore di tutta la colonna sonora.

Infine, Devilman Crybaby È anche e soprattutto il Devilman di Nagai, un tributo che rende onore a un mostro sacro del fumetto mondiale trascinandolo con violenza nel XXI secolo. Devilman è eterno e universale, il suo messaggio devastante è attuale ancora oggi, e Yuasa lo ripropone con successo in chiave ultracontemporanea: un esempio su tutti, nel manga anni ’70 il sabba, la festa pagana che conduce all’evocazione dei demoni, è accompagnato da un complesso rock/metal, all’epoca la “musica del demonio”, mentre ora, nel 2018, la controparte animata del sabba è sostanzialmente un rave party condotto verso la follia da un ossessivo e irresistibile ritmo tribale/elettronico.

Pagina di "Devilman" di Go Nagai.

Yuasa ha riletto il classico immortale di Nagai sulla base della consapevolezza del fatto che «il mondo è andato avanti» (cit.), e se se ne è reso conto anche Mark Renton in Trainspotting, ci auguriamo che anche chi è rimasto fino ad adesso bloccato solipsisticamente in un universo di 40 anni fa possa infine apprezzare Devilman Crybaby per quello che è, una serie contemporaneamente classica e attualissima, degna trasposizione del comunque inarrivabile originale di Nagai.

Devilman Crybaby – L’infernale recensione

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Quando il colosso dello streaming-service Netflix annunciò la sua prima serie anime, Castlevania, l’attenzione si spostò verso le nuove possibilità che si erano improvvisamente aperte per gli studi d’animazione, giovani e veterani, che avevano tutta l’intenzione di spostarsi su una piattaforma globale, digitale e pronta a investire.

Poco più di un mese dopo, infatti, Netflix decise subito di spingere l’acceleratore, rivelando al mondo Devilman Crybaby, una produzione che si proponeva di modernizzare e riportare alla luce il pilastro dello shonen Devilman di Go Nagai; alle redini del progetto il giovane studio d’animazione Science SARU di Masaaki Yuasa, autore dell’acclamatissimo, splendido Mind Game e delle serie animate di The Tatami Galaxy e Ping Pong The Animation.

Flash forward, avanti veloce fino agli inizi del 2018 e Devilman Crybaby debutta su Netflix nella formula standard della piattaforma, dieci episodi adatti al binge-watching compulsivo.
Ma dopo quasi cinquant’anni dalla prima apparizione di Devilman, rimanevano dubbi sulla possibilità di mantenere vivo lo spirito oscuro e corrotto, nero pece dell’opera originale.

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Akira Fudo vive la sua vita timidamente, senza dare troppo nell’occhio: i suoi genitori sono all’estero e lui abita insieme ai Makimura, famiglia che lo ha accolto a braccia aperte e nasconde l’interesse amoroso del ragazzo, Maki, “la strega dell’atletica”, una ragazza amorevole e gentile.
Come nella più tradizionale delle storie, e come Nagai comanda, la quiete viene interrotta dal ritorno di Ryo Asuka, amico d’infanzia di Akira pronto a rivelargli un mortale segreto: i demoni sono tra gli umani, si sono adattati dalla creazione del pianeta a oggi e intendono distruggere l’umanità.
Per sconfiggerli, Ryo ha un piano: infiltrarsi in un Sabba, un drug-party di moda in Giappone, e nel tumulto della musica e del sesso invocare Amon, il più potente dei demoni, per far sì che si fonda con Akira; secondo Ryo, il cuore puro del suo amico è l’unico in grado di sottomettere la volontà di Amon, creando così un potente ibrido uomo/demone… un Devilman.

La premessa originale, quella del manga e non dell’anime del ’72 adattato per un pubblico piú infantile, viene mantenuta seppur con qualche marcato cambiamento, mostrando la forza dell’idea di Nagai.
Mantenendosi su questa scia, l’intera storia ricalca lo spirito del primo Devilman, esplorando il concetto di bene e male, compassione e crudeltà, applicando questi termini, dividendoli e ridistribuendoli successivamente quando la lotta tra umanità e demoni si farà più intensa e sanguinosa, cominciando a creare momenti davvero densi nella trama.

Ciò che cambia, e non si poteva fare altrimenti, è il contesto in cui le vicende di Akira Fudo si muovono: il Giappone di Devilman Crybaby è assorbito dai social network, dalle riviste con modelli amatoriali, fotografi viscidi, bombardamento televisivo costante e assillante.
I ragazzi sono sboccati, volgari, concentrati sul sesso, le droghe e la musica, vie di fuga da una opprimente gabbia di norme sociali.
Le ossessioni del mondo contemporaneo sono splendidamente inserite nella storia originale, mostrando un’ambientazione più giovane, ma non per questo fastidiosa o accentuata per sottolineare ancora di più le differenze con Nagai.
Devilman Crybaby sa di dover adattare una storia “vecchia” a un mondo che ha corso a grandi velocità dagli anni ’70 in poi e cerca di farlo al meglio delle sue possibilità, riuscendoci.

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La regia di Yuasa e la scrittura di Ichiro Okouchi rendono la fragilità emotiva e il pianto facile di Akira un modo per distinguerlo da una massa assorbita dalle già accennate ossessioni, paranoie e routine di vita quotidiana: con gli altri ragazzi, ma specialmente se posto agli antipodi di Ryo, Akira è un vero frignone, un crybaby che mostra la sua voglia di proteggere chi gli sta a cuore, emozionandosi e mettendosi in prima linea per difenderli da un mondo che rotola, freneticamente, verso la follia.

Con solo dieci episodi a disposizione, la psicologia e la caratura emozionale dei personaggi viene spesso compattata e rimpicciolita a fronte dei più pressanti, e sicuramente coinvolgenti, eventi di trama: il cast di contorno ha uno spazio veloce, breve per esprimersi e per mostrare la propria personalità, le proprie motivazioni e, sebbene nessuno risulti fuori posto o fondamentalmente banale, la storia gioca al meglio delle sue possibilità con questi elementi.
L’intreccio emotivo risulta comunque efficace e funzionale alla carica di sentimenti che esploderà nel crescendo finale, quando tutta la visione del mondo diventerà nichilista e senza possibilità di redenzione.

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Tecnicamente, Devilman Crybaby può risultare audace, così come indigesto: non è un segreto che lo stile essenziale di Yuasa sia un mezzo per far risaltare le animazioni folli e slegate da qualsiasi fisica. La corsa dei protagonisti da umana diventa bestiale, le esplosioni dei corpi posseduti dai demoni divampano in un mix di sangue giallo, colori acidi e arti, seni, vagine e teste che mutano in maniera mostruosa e raccapricciante.

Come accennato, però, lo stile e le animazioni rimangono controverse, piazzandosi perfettamente in quella larga categoria del de gustibus che varia di persona in persona: a chi tocca adattarsi, al pubblico o al regista? Non sapremo mai la risposta.

Le scene d’azione che coinvolgono Devilman sono sempre interessanti da guardare e la battaglia finale mantiene fede al pathos brutale e apocalittico di Go Nagai; la colonna sonora unisce una deriva elettronica, un massiccio uso di sintetizzatori, quasi da club, con musica orchestrale ed epica, creando ancora di più una ideale unione tra le atmosfere oscure dello shonen e l’atmosfera urbana moderna.

Devilman Crybaby non è un prodotto perfetto, sia per la formula adottata, che magari aveva bisogno di più spazio per far respirare i personaggi, sia per la qualità dell’animazione spesso e (mal)volentieri altalenante.
Tuttavia, è difficile trovare un anime che, a quasi mezzo secolo di distanza dalla fonte originale, sia in grado di mantenere lo spirito cinico, maledetto, aggressivo e, nascosto sotto questi strati di violenza, positivo.
Questo, ancora una volta, a dimostrazione dell’importanza e della potenza del concept originale di Nagai, talmente valido e qualitativamente incredibile che, nonostante cambiamenti e adattamenti nel tempo, resta uno scheletro solidissimo sul quale ricostruire la storia di Devilman.
Il giorno del giudizio scatenato da Ryo e Akira osserva l’umanità in tutto ciò che può essere e non essere, mostrando cosa sia giusto e chi sia il vero demone, chi può definirsi umano o meno.
A noi il compito di osservare… e giudicare a nostra volta.

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Il ritorno, supersonico, di Mazinga Z – Infinity!

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Dopo mezzo secolo arriva al cinema Mazinga Z, da tutti considerato come l’origine e lo zenith dei cartoni animati sui robot! Dal 31 ottobre al cinema!

Torna uno dei cartoni animati giapponesi più leggendari di sempre, Mazinga Z, con un reboot intitolato Mazinga Z – Infinity, distribuito da Key Films.

Era il 1972 quando dalla fantasia del geniale Gō Nagai nasceva quello che sarebbe stato il primo robot pilotato da un uomo nella storia degli anime giapponesi: Mazinga Z, un personaggio amatissimo da intere generazioni e destinato all’immortalità.

E proprio quest’anno il grande mangaka Gō Nagai festeggia il 50° anniversario della sua carriera.

Dunque, non poteva esserci momento più propizio per questo grande e attesissimo ritorno, che sta già catturando l’attenzione di tutti gli agguerritissimi fan in giro per il mondo!

Il giovane Koji Kabuto è diventato uno scienziato e Mazinga Z riposa in un museo.

Un giorno vengono scoperte delle gigantesche e misteriose rovine all’interno del Monte Fuji chiamate Infinity, opera del Dottor Inferno e delle sue forze malvagie. A causa dell’enorme potere distruttivo dell’Infinity, l’umanità rischia l’estinzione. Koji è quindi costretto, dopo 10 anni, a riprendere i comandi di Mazinga Z e ad affrontare ancora una volta il dilemma della sua vita “Diventare Dio o Demone”.

Oggi più che mai il futuro dell’umanità è nelle sue mani.

 

È ancora il mio eroe, e lo sarà per sempre.

 

Mazinga Z ha fatto il suo sensazionale esordio nel 1972. Questo titolo leggendario non ha avuto successo solo in Giappone, ma in tutto il mondo. Dopo mezzo secolo, la Toei Animation riporta questo celebre robot sul grande schermo, con Mazinga Z – Infinity.

Il produttore del film, Yu Kanemaru, torna indietro con lo sguardo agli inizi di questo grande progetto: l’idea di creare un film di animazione tratto dalla leggendaria serie TV Mazinga Z, che la Toei Animation ha creato 45 anni fa, era in cantiere da 10 anni. Credo che sia il momento migliore per riportare in vita Mazinga Z. La popolazione mondiale continua a crescere e la tecnologia progredisce giorno dopo giorno, e più che mai è forte la convinzione che ogni individuo sia unico. C’è una grande varietà di persone, d’idee e di valori. Viviamo in un’era in cui la diversità ha grande importanza. In questo film volevamo esprimere i valori, i meriti e i pericoli della diversità. Quando l’umanità viene messa di fronte alla possibilità di scegliere ed ha a disposizione una gran varietà di opzioni, ci si può trovare di fronte a una crisi. Il tema principale di questo film riflette il mondo in cui viviamo oggi. Abbiamo cercato di fare di Koji Kabuto l’eroe col quale ci identificheremmo, dandogli quei valori a cui tutti aspiriamo.

Il regista del film è Junji Shimizu che ha diretto moltissime serie di animazione televisive e film d’ animazione, tra cui le serie “Yu-Gi-Oh”, “Gashbell!!”, “One Piece” e “Pretty Cure”.

Lo stesso Shimizu descrive le tematiche del film: “Il film è ambientato dieci anni dopo la storia originale, quindi, adesso, Koji Kabuto è più adulto. All’epoca era solo un pilota, c’era lui ai comandi di Mazinga Z, ma ora, ha una posizione molto più influente. Nella serie originale era un ragazzino, ora è adulto. Nel film deve confrontarsi con delle difficoltà e si trova di fronte a delle scelte, ma ancora una volta riuscirà a ritrovare se stesso. Come in passato, sarà lui l’eroe della storia. Sono certo che tutti abbiano avuto un’esperienza simile nella loro vita. Spero che gli spettatori possano identificarsi con Koji Kabuto quando guarderanno questo film.”

Gō NAGAI

È nato nel 1945 a Wajima-City, nella Prefettura di Ishikawa. Nel 1967 ha esordito con “Meakashi Porikichi”. E’ uno dei più leggendari artisti manga del Giappone, tra i suoi titoli ricordiamo la serie di “Mazinga Z”, di “Devilman”, di “Ufo Robot Goldrake” e di “Harenchi Gakuen”, solo per citarne alcuni. Ha introdotto espressioni di sesso e di violenza nelle sue opere, ed ha portato lo shonen manga[1] ad un livello superiore, influenzando qualsiasi altro artista successivo. Gō Nagai è l’unico artista manga ad aver avuto 5 manga diversi pubblicati a cadenza settimanale contemporaneamente (Shonen Jump, Shonen Magazine, Shonen Sunday, Shonen Champion e Shonen King). E’ un vero e proprio mito vivente per i fan dei manga di tutto il mondo.

 

 

[1] Gli shōnen (lett. “ragazzo”) sono una categoria di manga ed anime indirizzati a un pubblico maschile, generalmente dall’età scolare alla maggiore età.

 

Dettaglio del poster giapponese di "Lo chiamavano Jeeg Robot".

Lo chiamavamo Koutetsu Jeeg, lo chiamavano Jeeg Robot

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Durante il periodo Shouwa c’era in televisione una fascia oraria in cui mandavano i cartoni animati in replica¹, e quando facevo le scuole elementari al rientro a casa trovavo sempre in questa fascia le repliche continue di Mazinga Z e di altri titoli rappresentativi dei robottoni della Toei. Fra questi c’era anche Jeeg robot d’acciaio, io lo guardavo e ancora me lo ricordo. Era un anime a evidente contenuto morale in cui il buono con grande sforzo sconfiggeva i cattivi, ma ancora oggi che sono cresciuto e sono diventato un uomo di mezza età quelle serate durante gli anni delle elementari sono rimaste un indelebile ricordo di gioventù.

Benché sapessi che gli anime giapponesi sono famosi in Italia, quando ho letto una news in cui si diceva che Jeeg robot d’acciaio era diventato il tema di un film di grande successo, francamente la prima reazione che ho avuto è stata di spaesamento. Sarà sicuramente un ridicolo anime per bambini. Non posso nemmeno pensare che sia un film dal vivo. Davvero va bene questa cosa?

Ma adesso, dopo aver visto in anteprima questo film a Tokyo², i dubbi sono scomparsi e al loro posto provo una sensazione di enorme gratitudine per aver usato Jeeg robot d’acciaio in questo meraviglioso capolavoro.

Poster giapponese di "Lo chiamavano Jeeg Robot".

Il poster giapponese di Lo chiamavano Jeeg Robot, identico a quello italiano a parte per l’inversione di dimensione fra il titoli.

Per prima cosa ho molto apprezzato che il protagonista sia un uomo di mezza età, ingrassato, recidivo al furto e allo scippo, che si è infilato in un vicolo cieco fatto di giornate in cui si consola con budini e video porno. Situazioni simili erano già presenti in uno dei miei film preferiti, ovvero quel Trainspotting in cui Ewan McGregor interpreta Renton che annega fra la droga e un “senso di blocco” che gli impedisce di vedere il domani, ma quel Renton era un giovane che riusciva comunque a essere in qualche modo affascinante: ecco perché nel finale del film il suo lasciarsi alle spalle la droga e il salto nell’età adulta sono credibili. Qui però il personaggio di Enzo, interpretato da Claudio Santamaria, è un adulto che ormai ha già superato l’adolescenza da un bel po’, e la scena della corsa all’inizio del film con il corpo grasso in vista comunica una sensazione di bruttezza che non ha proprio nulla di affascinante.

Per aprire uno squarcio in questa storia su cui galleggia il “senso di blocco”, il regista Gabriele Mainetti lancia una palla veloce chiamata Jeeg robot d’acciaio: l’anime robotico giapponese diventa un mondo di sogno al cui interno vive Alessia, interpretata da Ilenia Pastorelli, una ragazza figlia di un uomo ucciso durante una trattativa di vendita di stupefacenti. All’inizio Jeeg robot d’acciaio sembra il sogno animato in cui si è rifugiato l’animo malato di una trentenne zitella con problemi mentali, ma poi man mano lo spettatore capisce che Alessia ha scelto quel mondo perché possiede il cuore puro di un bambino, e al contempo quello stesso mondo viene usato in maniera effettiva e convincente per risvegliare in un uomo di mezza età come Enzo il suo spirito da eroe. Come spettatore giapponese ne sono entusiasta. In una trama del tutto assurda, il regista vi ha inserito dentro Jeeg robot d’acciaio in un modo che riesce a dar vita a questo lavoro.

Regista e protagonisti di "Lo chiamavano Jeeg Robot".

Il regista del film con i tre attori principali: da sinistra Luca Marinelli, Claudio Santamaria, il regista Gabriele Mainetti e Ilenia Pastorelli.

Qualche decennio fa, in Giappone, la sera c’era un bambino delle elementari che stava davanti alla TV a guardare Jeeg robot d’acciaio, e adesso quel bambino è diventato un otaku di mezza età che ancora oggi legge fumetti e guarda cartoni animati. Allo stesso modo, qualche decennio fa, anche in Italia c’erano bambini che guardavano Jeeg robot d’acciaio, quei bambini sono cresciuti, e anche se sono diventati uomini di mezza età sono sicuro che conservano ancora lo stesso spirito di quel periodo.

Al regista Mainetti e a tutto lo staff che ha realizzato questa meravigliosa opera, e a tutti gli italiani che hanno saputo accogliere la cultura degli anime giapponesi, a tutti loro sono profondamente grato.

Note

1: in Giappone le repliche televisive sono estremamente rare e la stragrande maggioranza degli anime viene trasmessa una volta sola. Durante il periodo Shouwa, quindi fino al 1989, il numero di serie animate per la televisione era ancora sufficientemente contenuto da consentire le repliche, ma attualmente l’enorme quantità di serie prodotte non lascia spazio ai vecchi titoli. Per maggiori informazioni consultare l’articolo Il secondo Second Impact sulla ritrasmissione celebrativa di Neon Genesis Evangelion.

2: il film uscirà in tutto il Giappone il prossimo 20 maggio.

La Toei annuncia il film di Mazinga Z

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Giovedì scorso la Toei Animation ha annunciato tramite un comunicato stampa l’imminente produzione di un film dedicato a Mazinga Z, popolarissimo robot gigante creato da Go Nagai (padre di Goldrake, Jeeg, Devilman e tanti altri). Il comunicato non specifica se si tratterà di un live action o di un film di animazione. Il film uscirà in occasione delle celebrazioni per i 45 anni del franchise ed è intitolato, temporaneamente, Gekijōban Mazinger Z (Mazinger Z il Film). Toei Animation sta producendo il film e sempre la Toei si occuperà della distribuzione.

Toei ha anche lanciato il sito ufficiale del film e ha già annunciato un evento all’AnimeJapan 2017 del prossimo 26 Marzo a Tokyo.