Silvia Forcina

Non pratico il nerding estremo pur essendo nerd nell'animo, ma non ho niente da condividere con i Merd che popolano il mondo. So solo quello che non sono. Come Balto.

G.i.a.d.a.: Guida Insolita Al Diventare Adulti

Amianto Comics Presenta Giada

G.I.A.D.A. è una storia è raccomandata a chi era adolescente negli anni ’90 e sa cosa vuol dire non avere tutto il mondo su una tastiera, avere in tasca solo poche lire per la miscela del motorino e una scheda telefonica per telefonare dalla cabina.

Questa storia infatti si svolge in quei tempi lontani in una cittadina della provincia toscana, e (il misterioso) Mordecai che ne è lo sceneggiatore fa parlare tutti i suoi personaggi in fiorentino: ma non pensate che le parole che fa pronunciare ai sui “attori” siano terzine dantesche, perché da buon racconto popolare gli adolescenti attorno a cui gira la trama sono sboccati e spontanei come è normale che sia.

Ho usato volutamente il termine attori perché nell’introduzione a questo fumetto edito da Amianto Comics, per la collana pop novel Amianto Comics Presenta n. 2, quindi in formato cartaceo oltre che digitale, gli editori ci raccontano che il primo soggetto era pensato proprio per diventare un film, e questa impostazione di base travalica anche nel supporto cartaceo: ci sembra di guardare un film di un regista toscano con le dovute differenze date dal diverso media.

G.I.A.D.A. ha anche uno scopo “didattico” a detta dello stesso Mordecai (e del sottotitolo), è infatti una Guida Insolita Al Diventare Adulti che si presenta nell’opera in ben due versioni: una guida scritta come prefazione in cinque punti per i ragazzi che si innamorano per la prima volta, con l’aggiunta di un’appendice più esplicita per i duri di comprendonio (regole molto semplici, che parlano direttamente ai maschietti); e una guida da interpretare ognuno per sé, attraverso le immagini del fumetto che mostrano lo svolgersi la vita di Francesco, diciottenne innamorato della compagna di classe Giada, affiancato da un gruppo di amici a metà tra “fighi” e “non fighi”.

Amianto Comics Presenta Giada

Francesco è orfano di madre e il padre non ha mai completamente superato (come lui stesso d’altronde) la morte della moglie, non esce di casa e l’unico suo impiego è dar da mangiare ai “coniglioli” della defunta. L’unica cosa che li unisce è guardare i porno (e le riviste porno), altrimenti il padre non si preoccupa di come il figlio passa il tempo e dove. Non che ci sia da temere perché il ragazzo passa il tempo con Giada, aiutandola a prepararsi per l’Accademia drammatica, mentre assiste alle sue avventure con altri ragazzi, non trovando mai il coraggio di dichiararsi. Tra amori non corrisposti, coppie che si formano, si sfasciano e si riformano, drammi adolescenziali e scolastici, la storia va avanti fino a un inatteso colpo di scena e un finale che si sporge nel futuro e rasserena i cuori.

I disegni sono affidati al giovane Leonardo Cino, fresco di Accademia ma che già mostra una mano originale e ben impostata, rendendo vignette ben leggibili e accurate che si adattano bene alla griglia tipica dell’Amianto. Il tratto di Cino è morbido e riesce ad essere sintetico e preciso pur restando aggraziato e ricco di particolari, così i personaggi risultano ben caratterizzati e con il proprio carattere.

La sceneggiatura segue la storia con semplicità, senza fermarsi troppo a riflettere sui particolari che rimangono un po’ tralasciati, compensando con soluzioni che fanno perno sul comico. Ad esempio le sedute con la psicologa imbianchina non hanno troppa consistenza, non propongono spunti di riflessioni e non sono determinanti per l’andamento della storia: infatti Francesco farà le sue scelte, giuste o sbagliate, seguendo il proprio istinto, non per qualche buon consiglio dalla specialista. L’intento ridanciano di cui sono circondate le scene non pareggia il conto purtroppo.

Amianto Comics Presenta Giada

Inoltre per chi ha vissuto quel periodo (che per il resto risulta ben rappresentato) suona davvero strano vedere Francesco insieme ai suoi strambi amici (il rasta anarchico e il rivoluzionario borbottante) e anche insieme all’élite scolastica. A quei tempi si era al di qua o al di là della barricata creata dalla popolarità a scuola: se si era fighi (per aspetto fisico, look, possibilità economiche) non ci si mescolava con gli strambi, che formavano gruppi a sé e si occupavano di cose che oggi chiameremo nerd, fregandosene dell’aspetto fisico, dei vestiti e dei soldi. Insomma non c’era il politically correct di oggi, i gruppi di inclusione e i discorsi sull’integrazione: ma non c’era neanche il bullismo feroce di oggi. Ma non è l’ambiente scolastico il punto della storia, quindi va bene così.

Altre situazioni sono solo sfiorate, come il dramma intimo del padre, la gravidanza indesiderata, le prime avventure sessuali con professioniste del genere, ma è anche normale che un fumetto di 96 pagine non possa approfondire tutti gli aspetti presentati.

La caratterizzazione è comunque abbastanza buona perché si segua la vicenda con scioltezza e il coinvolgimento emotivo è assicurato, perché tutti abbiamo amato o amiamo qualcuno che ci sembra sia troppo lontano e irraggiungibile, ma come Mordecai insegna il lieto fine può esserci, se non ci si perde dietro sentieri sbagliati.

Rat Queens: Chiappa e spada – Le regine delle risse

Rat Queens - saldaPress

Oggi è il giorno di pubblicazione di Rat Queens, il nuovo titolo edito negli USA dalla Image Comics e portato in Italia dall’ottima saldaPress che è stato presentato come un originale e sboccato fantasy con protagonista, facile da dedurre, un gruppo di ragazze pronte a menare le mani e tracannare alcol.

Questa presentazione ha decisamente messo di buonumore colei che scrive, soprattutto le definizioni “fantasy” e “sboccato” sono apparse in accordo con i suoi gusti, tanto che ha deciso di recensirlo senza neanche aver visto un’immagine e senza conoscerne gli autori.

Solo dopo averlo letto e goduto, da buona nerd non-così-nerd, è andata a informarsi sulla sua genesi e quindi, per chi come lei si sta avvicinando al fumetto americano indipendente, ecco alcuni retroscena dell’opera che magari non tutti conoscono (immagino).

Il giovane autore di origine canadese Kurtis J. Wiebe ha ricevuto diverse nomination a premi come lo Shuster Award e l’Eisner Award (per Rat Queens) e ha ammesso di essersi ispirato alle atmosfere di D&D, suo amore di gioventù, mescolandole a elementi classici del fantasy in stile Il Signore degli Anelli. Il disegnatore Roc Upchurch invece, che troviamo in questo primo numero della serie, è stato estromesso dal progetto dopo che nel 2014 è stato condannato per violenza domestica e sostituito da Stjepan Šejić. Il titolo inizialmente doveva partire attraverso il crowdfunding di Kickstarter, ma la Image Comics ne ha acquistato i diritti; purtroppo però dal 2015, quando anche Šejić abbandona il lavoro per motivi di salute, i disegnatori si alternano senza rimanere per più di un anno e la serie passa a diventare una webcomic per poi ritornare in formato cartaceo lo scorso anno, con le matite affidate a Owen Gieni, già visto su Manifest Destiny.

Questi erano i “fun (ehm) facts” riguardanti l’opera, ma: allora, com’è? Abbastanza sboccata e fantasiosa? Assolutamente sì.

Rat Queens - saldaPress

Ecco le Queens nel loro originale schieramento: da sinistra Dee, Violet, Betty e Hannah. Sappiamo già che nei prossimi numeri aumenterà anche il numero delle “regine”…

Le Queens sono quattro tipe sopra le righe e simpaticissime: Hannah è un’elfa con il pugno facile e uno sfrenato amore per le bevande alcoliche, Violet è una nana sui generis che ha lasciato il suo popolo per cercare la sua strada, Dee è una bellissima chierica (atea) capace di poteri di guarigione, che le richiedono purtroppo la perfetta castità, e Betty è un mezzuomo dolcissima, ma abilissima ladra, che ama fare l’amore e i funghetti allucinogeni. Deliziose.

Rat Queens - saldaPress

Se questo non vi basta, dietro c’è anche una storia: catapultati in questo mondo medieval-fantasy ci troviamo nella città di Palisade, dove il Sindaco, ormai esasperato dalla “esuberanza” dei gruppi di mercenari, tra cui, le più “vivaci”, le Queens che non avendo altro da fare si prendono a cazzotti con tutti distruggendo e insultando cose e persone sulla loro strada, affida a ognuno un incarico “utile”, che serva a rinsaldare la sicurezza della “città delle mura”. Ma qualcosa va molto, molto storto, e le ragazze, unendosi agli altri mercenari coinvolti, diventano molto, molto pericolose mentre cercano chi e perché sta cercando di farle fuori.

Wiebe non inventa niente, prende elementi e genti dal mondo fantasy preesistente, come orchi, goblin, vampiri e quant’altro, senza cercare di snaturarli per renderli più originali, e questa è una gran cosa (per capirci, vedi i vampiri che luccicano) anche perché è perfettamente in grado di pescare nel classico per trasformare la pasta madre in altro, solo attraverso la caratterizzazione fisica e psicologica dei personaggi. Grazie anche al disegno di Upchurch, le varietà umane e meno umane sono molto belle da guardare, con i loro abiti tematici, il colore di pelle e capelli sapientemente utilizzato, e da vedere agire. Il tono dei dialoghi è sempre scanzonato e ironico, e riescono a far ridere anche quando ci viene presentata una di quelle gag che sembrano quasi scontate (come il grande classico: – Hey vecchia! – Non sono vecchia, ho trentanove anni!). Il gruppo delle Queens inoltre è un misto di orgoglio femminista e cortese attenzione al non offendere nessuno (compreso nelle preferenze sessuali): a vederle sono quasi delle Spice Girls della dimensione brutal, ognuna a rappresentare un popolo e un colore (anche se ne manca una, secondo me Mel C.), orgogliose della loro femminilità, messa anche bene in mostra mentre nascondono le loro fragilità, ma anche indipendenti, forti e cazzute (scusate) che non se le fanno dare da nessuno. Sicuramente senza peli sulla lingua, ma di cosa dovrebbero aver timore? La loro libertà sessuale, mai volgare, le completa e le rende sempre più concrete e vicine a noi, da entrare nelle grazie di lettori e lettrici indiscriminatamente. Sono così complesse e allo stesso tempo comprensibili da perderci la testa a cercare di spiegarlo, segno che Wiebe sa fare molto bene il suo lavoro.

Rat Queens - saldaPress

I disegni, come accennato, sono molto ben riusciti e completano il tutto tondo dei personaggi. Sono anche molto allietanti occhio e spirito, grazie, come dicevamo, all’uso del colore, ma soprattutto alla capacità dell’artista di creare linee avvolgenti, che si prestano bene sia alla staticità che alle scene dinamiche. Non che siano perfetti, tutt’altro: il vestito elasticizzato rosso di Hannah fa spesso pieghe strane e spigolose, i fianchi di Violet sono fin troppo forti e naneschi, ma direi che nella vita, soprattutto se stai facendo una rissa, il vestito non può essere fresco di lavanderia e le cosce grosse assicurano stabilità negli affondi con la spada. Insomma, il comparto artistico è più che soddisfacente, a parte una tendenza a trascurare lo sfondo creato spesso da sole evocative sfocature di colore.

L’importante è che il tutto sia funzionale alla narrazione e al ritmo, che è anch’esso vivace. Partendo da una griglia inizialmente convenzionale troviamo le vignette che si sovrappongono come se avessero fretta di farsi avanti e armi (praticamente solo armi) che sfondano la quarta dimensione e puntano direttamente alla gola del lettore, che non può così non sentirsi coinvolto.

Insomma, Rat Queens, le parolacce non ci spaventano, con tutte quelle diciamo anche noi, da oggi in vendita; un ottimo prodotto che si allontana dalle major e che soddisfa diversi tipi di palato: che state aspettando?

Settimana Canicola Bambini – La mela mascherata

Dimensione Fumetto in collaborazione con Canicola Edizioni presenta la Settimana Canicola Bambini: un vasto approfondimento sugli ideatori, gli autori e le opere della collana intitolata a Dino Buzzati che l’editore bolognese dedica ai suoi giovani lettori.

Dopo aver parlato del progetto con le curatrici della collana e aver recensito i primo volume Hansel e Gretel, in questo terzo articolo si parla del secondo titolo edito: La mela mascherata di Martoz.


Mela mascherata Canicola bambini Martoz

Nel regno di Cotignork si sta svolgendo un dramma: il fiume Senio è stato avvelenato e ora emana un odore fetido e nauseabondo, e si dice che sia stato proprio il conte Muzio a contaminarlo! Ora il destituito signore è chiuso nelle prigioni del suo stesso palazzo e sulla sua poltrona siede… il perfido Passatore!

Questo è l’inizio coloratissimo de La mela mascherata, uno dei tre volumi di esordio della collana Dino Buzzati dedicata ai bambini dell’associazione culturale Canicola, a opera dell’eclettico e giovanissimo Martoz.

L’apertura del volume è dedicata a una teatrale e surreale presentazione dei personaggi: insieme al «tremendissimo» Passatore e a Muzio troviamo l’affranta fidanzatina di quest’ultimo, Lucia, erborista con l’animo da gangster, poi Zanzi e i suoi cat-boys (cioè cowboy che però cavalcano i gattoni «diffidenti e vivaci»), tra cui Zaganelli che da buon artista lavora maschere per i suoi compagni, utili quando decidono di organizzare una ribellione contro il Passatore. Il loro spirito guida, il maestro Varoli, li indirizza da Lucia, perché lei è l’unica che può preparare un antidoto contro la puzza rosa del fiume, grazie alla mela mascherata. Trovata Lucia e convinta a collaborare non rimane che trovare il mitico ingrediente, e qui inizia la loro avventura.

Mela mascherata Canicola bambini Martoz

L’impianto della trama è solo apparentemente semplice: come l’iniziale caratteristica presentazione è un elemento che arriva dalla drammaturgia, così il teatro ritornerà, inteso proprio come rappresentazione su un palco, e avrà una parte importante per l’avanzamento della storia, con l’allestimento di un titolo, guarda caso, anch’esso collegato alla mela.

Suggestioni teatrali ritornano costantemente a interagire con la storia, basti pensare che un altro elemento molto importante è quello della maschera: i cat-boys le usano per nascondere il loro volto e per non essere riconosciuti mentre combattono per la giustizia, come i più classici supereroi, ma quella che daranno a Lucia sarà senza fessure per gli occhi (mancanza dovuta alla fretta) e proprio tale cecità, che non serve a nascondersi ma a celare le paure che sono fuori, permetterà alla ragazza di rincontrare il suo innamorato.

Mela mascherata Canicola bambini Martoz

Fiaba e teatro si incontrano infine quando l’aiutante magico, la Fattucchiera, li farà entrare in possesso dello strumento magico: una mela, giustappunto, “mascherata”, dalla forma misteriosa e grottesca.

Martoz dunque crea con gran divertimento una trama ricca di trovate spassose e intriganti, che farà contenti i grandi tanto quanto i bambini, che forse non coglieranno le diverse sfumature di senso degli eventi ma saranno allietati dai dialoghi brillanti e dai personaggi buffi… che arrivati a fine volume riservano più di una sorpresa. Infatti il regno di Cotignork altro non è che la città di Cotignola, che si affaccia sul fiume Senio ecc. ecc. Non vogliamo rovinarvi la sorpresa di scoprire queste pagine finali che arricchiscono il valore del volume, basta sapere che a quel punto ci si rende conto che lo scopo didattico dell’opera è perfettamente raggiunto.

Martoz offre a questo scopo la sua mente vivace, capace di immaginare figure e ambientazioni oniriche ma in senso bello, non angoscioso: di quei sogni tutti colorati di rosa e giallo dove però i contorni e le definizioni diventano incerte e che quando ti svegli ti lasciano di buon umore.

Come nel suo stile classico troviamo contorni e ombre rese tutti a colpi di matita, linee non pulite, che sforano i margini e graffiano tutto l’insieme. I volti e i corpi sono resi attraverso le geometrie semplificate, nasi triangolari, cerchi imperfetti, cilindri e coni, senza troppo badare all’uniformità dei volumi e alle linee dritte.

Concede poco a quello che si penserebbe un “disegno per bambini”, solo l’uso dei colori pastello che si alternano ai neri e alle matite, e le scritte di diverse tonalità che enfatizzano i passaggi della storia e i dialoghi. Si potrebbe quasi dire che il disegno di Martoz non ha bisogno di essere per l’infanzia perché la sua vena artistica è simile a quella di un bimbo che si entusiasma e crea senza pensare alle convenzioni e alle imposizioni esterne, in totale libertà.

Perché se vuoi seguire i sogni, anche quelli che insegnano qualcosa, bisogna solo cavalcare un gattone e corrergli dietro.


Martoz
La mela mascherata
2017, Canicola Editore, Canicola Bambini, collana Dino Buzzati
cm 17×24, 64 pagg., colore, € 16
ISBN 9788899524135

Motor Girl, l’ultimo capolavoro di Terry Moore

Ho sentito definire Terry Moore, da fan nerdissimi, ma comunque vale, come il «dio del fumetto americano»: beh, dopo aver letto Motor Girl, in uscita per i tipi BAO Publishing si ha la netta percezione che quei nerd abbiano ragione.

Viso piuttosto anonimo, radi capelli solo sopra le orecchie, occhiali: guardando il viso dell’autore americano non verrebbe da definirlo un “dio”, né ci si aspetterebbe che dalla sua testa così poco protetta da chiome nascano storie come l’osannata Strangers in Paradise (di impianto realistico, che quest’anno festeggia il 25esimo anniversario) o la fantascientifica Echo.

Moore da sempre è stato poco interessato alla creazione di fumetti mainstream, con protagonisti supereroi, ma ha sempre amato il fantasy e la fantascienza, oltre al poter raccontare storie basate sui sentimenti e la psicologia dei personaggi (tanto da dover fondare una sua casa editrice indipendente per portare avanti i suoi lavori). Questa Motor Girl è la summa di entrambe le tendenze creative.

La protagonista Sam è un meccanico che lavora in uno sfasciacarrozze perso nel deserto del sud degli Stati Uniti, con un clima fisso di 45° all’ombra, alla dipendenze di Libby, anziana per niente convinta di essere anziana.

Sam è una veterana della guerra in Iraq, che è sopravvissuta alla prigionia, alle torture, e a due bombe.

Sam è una ragazza con la passione per i motori e la musica, che soffre spesso di mal di testa, dovuti alle sue disavventure passate, ma che per fortuna può chiacchierare con il suo inseparabile assistente Mikey: un gorilla.

Tutte queste versioni sono un modo corretto di iniziare a parlare della trama di questo volume, che raccoglie le dieci uscite in volumetto americane, e ognuna, come potete notare, racconta una storia diversa. Beh la vita di Sam è questa e molto di più, anche se non ho intenzione di anticiparvi nulla, e lo si può capire dal tipino di colore verde che spunta da dietro la sua spalla in copertina.

L’amore di Moore nel raccontare il reale si dispiega in sintonia con tutte le pieghe e le strane deviazioni che il reale impone alle vite comuni, anche se Sam è tutto tranne che una persona ordinaria: e il fantasy? Direte voi: la fantascienza? Mike, il gorilla, è l’amico invisibile di Sam, qualcuno che forse deve proteggere, o forse da cui deve essere protetta.

In un’intervista dello scorso anno Moore racconta che per Motor Girl è stato ispirato dall’idea di creare un rapporto tra un umano e un essere immaginario in stile Calvin & Hobbes, infatti i due interagiscono con allegria, affrontano insieme gli eventi con profonda ironia e divertimento (del lettore), intavolano discussioni intellettuali sul destino dell’umanità e così via. Fino a scoprire i ruoli che entrambi ricoprono.

E quel tipino verde, di cui anticiperemo solo il nome, Bik, si direbbe sia l’elemento fantascientifico dell’opera, ma non è il solo che scoprirete leggendo.

I disegni si Moore sono un incanto: realistici, puliti, perfettamente leggibili; che detto così pare niente, e invece sono aspetti rari e difficilissimi da ottenere. Confrontato con i disegni dei comics Marvel e DC, oltre l’ovvia mancanza del colore, il disegno di Moore non ha nulla di spettacolare o eclatante, senza effetti speciali eppure efficacissimo. Le linee sono pulite, i fondi chiari e luminosi, il tratto è nitido, particolareggiato, i campi spaziosi, e i tanti piccoli segni del suo inchiostro raccontano (come le mani rovinate dal lavoro di Sam) e descrivono tantissimo in pochissimo spazio.

Il nitore e la leggibilità sono elementi che si trasmettono anche alla griglia, che permette (in un numero limitato di vignette) una scorrevolezza di sequenze che piano piano attrae il lettore nella storia, tanto da non riuscire a chiudere le pagine, per il bisogno di capire quello che c’è da capire, nelle ultime battute.

Già da subito Sam e Mikey ci conquistano, perché sono bellissimi. Non sto parlando (solo) in senso estetico, ma in quello morale: perché questa di Motor Girl è una storia che parla dell’animo umano, di senso di giustizia, di umanità e disumanità e, per quest’ultima, di come lasci cicatrici ben più profonde e brucianti di quelle esteriori.

«Quando mandi qualcuno a fare qualcosa contrario alla natura umana, tornerà sfregiato. È difficilissimo farci i conti. Quindi semplicemente è in questo che la storia scava.»

(T. Moore, Interview: Cartoonist Terry Moore, 15/11/2017 – traduzione e adattamento dell’A.)

Il 15 febbraio fate vostro questo capolavoro, che come tale riesce a raccontare emozioni enormi sotto le spoglie di una fiaba egregiamente rappresentata, buffa e commovente.


Terry Moore
Motor Girl
256 pagine, b&n, € 19,00
ISBN: 9788865439845

Il romanticismo di Nocturno e il filo rosso con Tony Sandoval

Leggere le opere di Tony Sandoval per me è un’esperienza emozionale, non pretendo che tutti condividano la mia passione, perché parlando di corde emotive è necessario sentire una particolare sintonia con l’autore, con le sue tematiche e il suo modo di rappresentarle, però per me è proprio così.

Nel caso di Nocturno, edito in Italia da Tunué, i fili rossi che mi legano a Sandoval si sono rafforzati, infatti il titolo di quest’opera era inserito nella lista dei “wished comics” che avevo consegnato al mio compagno per aiutarlo nella scelta del regalo di Natale. Non era neanche al primo posto, ma piuttosto sotto, mimetizzato. Eppure il mio ragazzo tra i tanti ha ordinato proprio lui, senza sapere niente della mia passione per l’autore messicano (che gli tengo nascosta per evitare gelosie) e quando ho tolto la carta rossa e me lo sono visto davanti ho capito che non poteva essere altrimenti.

Perché avevo inserito proprio questo titolo e non altri che pure non ho? Perché avevo letto da qualche parte la definizione “il fumetto più romantico di Sandoval”, e oggi non posso che essere d’accordo con essa.

Nonostante il Romanticismo non si possa ridurre a uno standard, in quanto «non è il logico, coerente sviluppo deduttivo di un’idea, né un gruppo circoscritto di fenomeni riducibili a un’unica causa, né un sistema di pensiero chiuso, ma un ‘modo di sentire’, a cui s’intona tutto un vario modo di pensare, di poetare e di vivere» (Enciclopedia Treccani), quello che comunemente è associato a questo termine è il contrario del «razionalismo classicista e illuminista, che esalta il sentimento, la fantasia, la spiritualità, l’originalità creativa».

Bene. Vediamo.

Il sentimento

Nocturno è una immensa dichiarazione d’amore, verso la donna, l’unica, quella che il destino ha scelto per noi e lei soltanto, riconoscibile tra mille perché sembra la più bella che si sia mai vista; e verso la musica, il rock nella fattispecie, se volete l’heavy metal, l’unico genere che riesca a far uscire le fiamme del sentimento che traboccano dal cuore. Il protagonista Seck incontra e perde entrambi prima di diventare il Nocturno, ma quando il suo corpo si avvicina all’una o all’altro fiamme, simboliche e non solo, avvolgono con veemenza il suo cuore e creano un fascio, un cammino, una connessione con l’oggetto del sentimento. Il cuore fiammeggiante che per noi latini non può che essere il cuore ardente dell’iconografia cristiana qui ha una valenza universale e altamente iconica, e rappresenta la passione che alberga negli uomini che sanno amare davvero.

La fantasia

La realtà descritta da Sandoval è fortemente impregnata da elementi surreali e irreali che si muovono in essa senza stupore: mostri volanti generati dalla chitarra, scheletri che camminano a fianco dei personaggi, spiriti elementali e fantasmi che interagiscono con naturalezza con i panorami e le svolte del racconto. Se nei primi lavori dell’autore potevano essere creature innaturali che portavano con loro sconcerto e paura, in Nocturno queste presenze sono inserite nel racconto come elementi necessari, contribuiscono a spiegare gli eventi e sembrano familiari come le ombre del subconscio che finalmente arrivano alla luce: le conosciamo e le riconosciamo, sappiamo perfettamente quello che vogliono dirci e le rispettiamo.

La spiritualità

Tutti i personaggi di Sandoval hanno una crescita spirituale e umana a cui assistiamo nel proseguimento della storia. Pur vivendo in una quotidianità spesso depravata, triste, ai limiti della legalità e della violenza bruta, i protagonisti, come Seck, posseggono una purezza interiore che li rende portatori di un ideale universale che salverà loro e altri dallo squallore della realtà: tutti i caratteri che seguono una passione o si fanno carico di un compito più elevato sapranno riscattarsi dalla sorte infausta che li aspetta dietro l’angolo. Per molti questo gioiello spirituale risiede nella musica, hanno una voce o una potenzialità espressiva che li eleva sopra la massa, che fa di loro una guida, un faro sopra al buio della brutalità umana che illumina le potenzialità dell’amore, della fratellanza, della bellezza. Seck perdendo sia la musica che l’amore della sua donna si ritrova imbrutito, istupidito, senza più capire il valore della vita, ma sarà lo spirito di una ragazza morta alla ricerca del suo amore perduto che lo salverà e lo riporterà alla civiltà, che può essere crudele, ma anche generosa e avvolgente.

L’originalità creativa

Il disegno di Sandoval è estremamente personale, può piacere o dispiacere, con le sue testone dalle fronti ampissime, gli occhi lontanissimi e piccoli, che possono sembrare deformi ma che posseggono una loro grazia originale; sicuramente però non si può non riconoscergli un’abilità compositiva e coloristica fuori dal comune. L’uso delle griglie e delle tecniche coloristiche sono sempre funzionali alla storia: finché il racconto segue uno scorrimento logico e cronologico le vignette sono canoniche, spaziate di bianco, e seguono una regia da manuale; quando gli eventi iniziano a farsi caotici o mostrano elementi meno tradizionali la griglia si scioglie, le linee di demarcazione di sovrappongono o diventano fluide. La stessa cosa si dica del colore: all’inizio di questo racconto, quando Seck vive una vita deprimente e senza sbocchi troviamo disegni in bianco e nero, sfumati di grigi che rendono tangibile la tristezza; ma quando Seck decide di reagire ed andarsene tornano i colori e tutto ritrova ordine. L’uso diverse delle tecniche, dalle campiture realistiche, all’acquerello sfumato, alle matite grigie, a quelle colorate, alle penne, sottolinea e rende tangibili i passaggi della storia e la esalta, mescolando realizzazioni diverse che arricchiscono e rendono unico questo lavoro.

Non lasciatevi fuorviare dalla mia personale passione e dal filo rosso che mi lega, verificate con i vostri sensi se leggere Sandoval crea un varco emozionale come le migliori opere romantiche sanno fare: Nocturno è senz’altro un’ottima scelta.


Tony Sandoval
Nocturno
casa editrice Tunuè, collana Prospero’s Books Extra
2012, nuova edizione cartonata 2017
240 pagine, b&n e colore, cartonato, prezzo € 24,90
ISBN 978-88-6790-229-3

La linea d’ombra che separa dalla luce della consapevolezza

La linea d’ombra, oltre a essere il titolo del noto romanzo breve di Joseph Conrad, è un’espressione di valenza metaforica che indica quel passaggio che va da una giovinezza ancora incerta e insicura a quella adulta e consapevole, il passaggio obbligato che non sempre riconosciamo, ma che tutti affrontiamo o dobbiamo affrontare andando avanti nelle nostre vite.

Il racconto in sé è così ricco di chiavi di lettura e di livelli che ridurlo obbligatoriamente solo a tanto è un peccato, eppure questo passaggio verso una presa d’atto fondamentale è anche la sua parte più bella e riconoscibile, ed è su questo contrasto di ombre e luci a venire che gioca anche il fumetto realizzato da Andrea Laprovitera e Valentina Raddi per la collana Narrativa tra le nuvole di Kleiner Flug.

Il giovane protagonista lascia il suo incarico su una prima nave perché sente il bisogno di nuove sfide e di impegni con cui mettersi alla prova e poco dopo trova un fortunato incarico da capitano su un veliero… maledetto. Il defunto capitano della sua nuova nave è infatti morto pazzo, augurando al legno e all’equipaggio di non sopravvivergli. E questo è quello che sembra succedere: dal primo ufficiale in giù tutti i marinai si ammalano di colera, le scorte di chinino sono finite e la nave rimane ferma in una bonaccia di calma piatta che sembra annunciare la loro morte. Solo il giovane capitano e il cuoco malato di cuore sono in forze e quando tutto sembra perduto finalmente i venti portano la nave verso il porto e la salvezza.

Nei giorni più disperati il giovane protagonista ha potuto fare i conti con se stesso, con le sue insicurezze e disperazioni, sapendo di non avere nessuno su cui contare, tanto meno la propria esperienza o decisione. Eppure una volta superato il peggio ecco che le ombre oscure dell’animo si dissipano e il capitano può guardarsi allo specchio sapendo di essere un uomo diverso, con certezze e nuove conoscenze come zavorra.

Dal blog di Valentina Raddi

Molto semplicemente, ma anche molto efficacemente i disegni e i colori della Raddi sottolineano la presenza delle ombre, sensibili e sensitive, per tutta la durata della vicenda: la griglia ricca e densa, dalle cinque alle dieci vignette, è riempita di colori polverosi che vanno dall’ocra a tutte le sfumature di grigio. I volti dei personaggi e in particolare quello del protagonista sono costantemente tagliati dalla linea di un’ombra più scura. Molto spesso è il fondo a essere in luce mentre le figure sono silhouette scure che si stagliano nette e tondeggianti sulla base più chiara. Il disegno infatti è bozzettistico e semplificato, ma ricco di particolarizzazioni per cui ogni personaggio è molto diverso dall’altro, e nell’insieme della realizzazione rimanda al fascino delle ombre cinesi.

La sceneggiatura di Laprovitera è lineare e riesce ancora una volta (i miracoli degli autori di Kleiner Flug) a sintetizzare la storia senza perdere nessun aspetto importante, anche se si allontana dall’impostazione del testo originale. Di nuovo un ottimo lavoro da leggere con la testa tra le nuvole.

La locandiera a fumetti, che bella idea!

Per la collana Teatro fra le nuvole la casa editrice Kleiner Flug propone La locandiera, tratto dalla commedia teatrale di Carlo Goldoni, targata 1753. La sceneggiatura è adattata da Mariangela Sena, che ha compiuto un ottimo lavoro di sintesi mantenendo intatto il colore e la struttura degli avvenimenti; e i disegni sono affidati a Gabriele Di Caro (anche ai colori, insieme a Irene Maurini) che costruisce personaggi caricaturali al punto giusto e allegramente espressivi.

La storia ci racconta della locandiera Mirandolina cha alla morte del padre eredita la gestione dell’albergo fiorentino, che svolge da sola, da padrona, aiutata dal cameriere Fabrizio. La ragazza è perfettamente consapevole della sua posizione, ha molto a caro la sua libertà e la sua capacità di condurre il lavoro, ma sa anche che le sue grazie femminili possono risultare utili, tanto quanto possono metterla in pericolo.

Tra i suoi clienti, infatti, deve vedersela in particolare con l’indesiderata corte del Conte d’Albafiorita, un parvenu che ha comprato il titolo a suon di soldoni e che non esita a tentare la virtù della ragazza con doni molto ricchi, e con le richieste di protezione del Marchese di Forlinpopoli, nobile di nascita, ma completamente senza mezzi, che ha solo la sua pomposità e il suo orgoglio da offrirle. Ai due si unisce, ma come contraltare, il Cavaliere di Ripafratta, che si dichiara convintamente ostile a tutto il sesso femminile, ritenendo ridicolo il concetto di amore e di devozione verso un’altra persona. Chiaramente Mirandolina decide di far crollare questa sua arrogante immagine di misogenia e con grande furbizia e intelligenza lo fa innamorare nel giro di pochi giorni, ma la sua scelta si rivela fonte di guai…

Mentre nel libro le tre figure di nobili, volutamente dileggiate da Goldoni che li dipinge ridicoli, anacronistici, vanagloriosi, prendono il ruolo principale nella storia, nel fumetto è Mirandolina che si pone al centro dell’universo narrativo con il suo carattere anticonvenzionale e capriccioso. Emergono perfettamente la sua mente brillante, la sua voglia di divertirsi alle spalle di chi si fa ridere dietro, la sua capacità di sgusciare tra le maglie degli obblighi del tempo che volevano le donne in un ruolo subalterno e secondario.

Il disegno sa rappresentarla proprio così, smorfiosa, civetta, ma anche cosciente della sua posizione e delle potenzialità del suo ruolo, e infine coscienziosa e avveduta. La Sena riesce a costruire dialoghi e pensieri mantenendo il linguaggio aulico e poetico goldoniano, rendendolo meno ostico che sulla carta scritta, e il disegno dei baloon riesce a separare le battute recitate (con contorni dritti) da quelle che il personaggio pensa (con contorni merlettati): soluzione che lascia intatto l’effetto teatrale delle scene.

In conclusione, vien da pensare che qualche insegnante illuminato potrebbe adottare quest’opera ed evitare alle classi l’onere di leggere il testo originale, in quanto il succo di quel che Goldoni voleva raccontare ai suoi contemporanei e ai posteri è qui perfettamente rappresentato.

Le ragazze nello studio di Munari – A big crush

Le ragazze nello studio di Munari di Alessandro Baronciani è un racconto che se dovessimo rappresentare graficamente con una linea progressiva si risolverebbe in un grosso ghirigoro: il protagonista Fabio è un appassionato di libri, ha un negozio di libri usati, e scrive la sua storia attraverso il rapporto con tre ragazze diverse. Di lineare nel suo racconto non c’è nulla, i flashback o i ricordi seguono le sue sensazioni e gli stimoli che gli provengono da un oggetto o da una riflessione.

Fabio appunta i suoi pensieri su un file del computer, cioè un supporto asettico e astratto quanto più possibile, eppure quello che racconta noi lo vediamo rappresentato con un impatto emotivo e sensoriale molto superiore a quello che ci darebbe un normale fumetto.

Il perché è presto spiegato dal titolo stesso dell’opera: Fabio è un grande ammiratore di Bruno Munari, come lo stesso Baronciani che regala a questo personaggio anaffettivo e snob qualcosa di suo, cioè l’amore per il grande artista. E come meglio onorare tale rispettosa devozione se non utilizzando elementi in cartotecnica, come fogli lucidi, inserti di materiali più morbidi della carta, fori nei fogli e aggiunte interne? Tutto questo procura al lettore un’esperienza che va ben al di là dell’immedesimazione o dell’empatia (che volutamente risulta nulla con il protagonista), è un viaggio cognitivo e sensitivo che ha a che fare con l’intero universo artistico (le citazione e i rimandi a cinema, libri, musica ecc. sono tantissimi) e che ha come scopo quello di rendere giustizia ai veri protagonisti dell’opera: il libro stesso, come oggetto che travalica le barriere dell’inanimato e della compattezza, e il pensiero di Munari, che dà vita al libro, lo rende così come è.

Un modo meraviglioso, tra l’altro, di rompere la quarta parete, quella tra vignetta e lettore.

Che poi, ad essere precisi, il lavoro di Baronciani si distacca dal concetto di fumetto classico, non usa baloons, preferisce le immagini a tutta pagina, le vignette, quando ci sono, hanno funzione narrativa, ma in senso lato: vedi i suoi amati primi piani, ripetuti uno sopra l’altro per evidenziare, con leggere differenze di linee, i mutamenti nell’espressione e far vivere a chi guarda il passaggio da un’emozione all’altra.

I suoi disegni sono essenziali, ma estremamente espressivi, preferisce creare attraverso il bianco e nero illustrazioni che riescono con pochi tratti a far immergere in un’atmosfera, in un luogo, in un turbamento.

Perché come diceva Munari: «Complicare è facile, semplificare è difficile. Per complicare basta aggiungere, tutto quello che si vuole: colori, forme, azioni, decorazioni, personaggi, ambienti pieni di cose. Tutti sono capaci di complicare. Pochi sono capaci di semplificare. Piero Angela ha detto un giorno: è difficile essere facili. […] La semplificazione è il segno dell’intelligenza, un antico detto cinese dice: quello che non si può dire in poche parole non si può dirlo neanche in molte.»

Baronciani riesce benissimo a essere semplice e a dire tante cose con un’immagine.

Per tornare brevemente al titolo di questa recensione, in cui avrei mille altre cose da dire, ma cerco di seguire le sagge parole del maestro, Baronciani rivela “una grande cotta” verso il lavoro di Munari, che sicuramente ha avuto un ruolo fondamentale nella sua crescita artistica e intellettuale, e condivide con noi “una grande cotta” per l’oggetto-libro e tutte le sue potenzialità (basti osservare come la copertina della prima edizione, una ragazza che ritaglia le lettere del titolo, si sia trasformata nello sguardo di Monica Vitti che ci osserva da sopra una pila di tomi colorati…).

Ma anche io (scusate lo scivolone poco professionale) ho da dichiarare “una grande cotta”, mia personale, per il lavoro di questo ragazzo pieno di talento, che sfoga in campi numerosi ed eclettici, che seguo dalle prime pubblicazione con la Black Velvet, che mi ha concesso un’intervista anni fa, ingenua e piena di entusiasmo che per fortuna si è persa nell’etere, e che gentilmente ha risposto a un invito che non si è mai potuto concretizzare.

Quest’opera nata nel 2010 e oggi risorta a nuova vita grazie ai tipi della BAO Publishing lo rappresenta a pieno, è matura e completa, ricca e ammaliante, come un fumetto e molto più di un fumetto.

Le Macerie prime e la solidità di Zerocalcare

Zerocalcare Macerie prime

Finito di leggere Macerie prime, il nuovo fumetto di Zerocalcare pubblicato da BAO Publishing, il primo pensiero è stato quello di non poterne fare nessuna recensione accettabile, e non certo perché manchino elementi, spunti e sensazioni di cui poter parlare, di quelle ce ne sono a bizzeffe.

Infatti se il titolo vi ha incuriosito, non passeranno troppe pagine per capire che quelle macerie sono proprio le stesse su cui la generazione dei trenta-quarantenni si trova a camminare da tempo, quelle di un mondo costruito dai nonni e lasciato sgretolare dai padri su cui non si trovano più elementi solidi, ma solo precarietà. Parola orribile in tutti i sensi.

Eppure questa è una cosa con cui conviviamo un po’ tutti, in modo diretto o per interposizione; Calcare stesso, che ne sembra appena uscito dopo il successo avuto dai suoi “disegnetti”, la rivive attraverso le parabole esistenziali dei suoi amici e sulla sua pelle sotto forma di “accolli” e sensi di colpa.

Dunque il problema con questa opera, in cui Zerocalcare dopo Kobane Calling torna a parlare della quotidianità dell’autore stesso (o meglio il suo personaggio) e dei suoi amici, che ormai sono diventati così familiari anche a noi, è che è così vicina e diretta che è impossibile parlarne con distacco.

Inoltre Macerie prime è una storia non conclusa, è un lungo preludio, la presentazione di intrecci narrativi di cui si svelerà il disegno solo nella seconda parte, conclusiva, che vedrà la luce (parole dell’autore) solo a maggio. Per ora quello che si comprende è che le vicende che riportano insieme il gruppo storico di amici di Calcare non sono fini a sé stesse, ma cucite, ancora a larghe maglie, con una sotto trama inquietante che non si dipana abbastanza per poterla decifrare.

Zerocalcare Macerie prime

La certezza con questo autore però è la sua capacità di comunicare e raccontare, la certezza che continuando a leggere arriveremo al punto in cui la storia ci assesterà quella mazzata da spezzare il cuore, tutte le strade buie percorse troveranno il loro traguardo in una conclusione che ci colpirà diritto al petto, come è successo finora.

Non sembra ci sia da temere che la vena artistica di Zerocalcare si sia esaurita, anche se in questo volume si ride forse un po’ di meno e alcuni passaggi sembrino un filo macchinosi: è evidente infatti che sotto c’è un piano ben preciso che esige anche dei precisi meccanismi che tolgono anche un poco di spontaneità.

Zerocalcare Macerie prime

La bravura di Michele Reich non risiede solo nella capacità registica di mostrarci gli eventi che racconta riuscendo a personalizzare e rendere vividi fatti e personaggi, ma è proprio nel modo di raccontare, modo che trova sorgente nella vivacità popolare, nella romanità (anche se le sue origini non sono strettamente romane, il vivere a Rebibbia ha influito sicuramente nel modus operandi del Nostro), in quella genuina abilità di dire e ridicolizzare, di esaminare e riprodurre, che scorre nelle vene dei latini in generale e dei romani in particolare, che da Belli a Verdone ha creato un genere specifico.

Zerocalcare riesce attraverso i disegni a portare su carta i racconti orali tipici delle borgate, ricchi di flashback e memorie, di ricapitolazioni e riflessioni personali, naturalmente aggiungendoci elementi fondamentali che rendono tali storie universali e adattabili alla sensibilità e ai bisogni dei lettori.

Se non fosse che lui stesso mi ci manderebbe, non esiterei a paragonare i fumetti di Zerocalcare alle opere classiche, e intendo dire proprio omeriche: come un aedo dei giorni nostri, riporta nelle sue storie ideali e convinzioni condivisibili da molti; quel modo di rappresentare i protagonisti con sembianze diverse o animalesche, collegate alle loro caratteristiche, non è poi così diverso dalla reiterazione di patronimici o epiteti che gli aedi usavano per caratterizzare e far memorizzare i personaggi delle loro storie; infine i suoi racconti non sono mai fine a sé stessi, ma hanno uno scopo educativo e di crescita. Chi ha letto il volume avrà anche notato l’introduzione di figure mitiche e divinità, insieme al valore riconosciuto al passaggio della conoscenza, all’importanza degli anziani e della memoria collettiva che inaspettatamente sembra dare sostegno a questa similitudine apparentemente improbabile.

Aspettiamo dunque maggio per la sua conclusione e intanto godiamo di questa storia che poggia su macerie e aspira alla solidità.

L’arte infinita di Hayao Miyazaki, il Never Ending Man

Se state leggendo questo articolo è perché siete ammiratori di Hayao Miyazaki, o stimate i suoi film e siete curiosi di sapere se il documentario Never Ending Man, girato dopo l’ultimo annuncio del suo ritiro come regista nel 2013, valga la pena di essere visto domani sera, 14 novembre, al cinema.

Ebbene, per voi dirò immediatamente come stanno le cose: , vale la pena comprare il biglietto e guardare questa breve monografia, perché si rivelerà per voi istruttiva, interessante, anche lievemente commovente e vi avvicinerà a un uomo, Miya-san, e un professionista, Miyazaki sensei, ammirevole sotto tanti punti di vista. Se in più siete cultori della tecnica dell’animazione, o comunque appassionati di quest’arte, il film si rivelerà anche molto stimolante dal punto di vista prettamente pratico, perché mostra il modus operandi di uno dei più grandi registi viventi e di tutti i tempi.

Potrei dilungarmi e continuare a incentivare la vostra curiosità insistendo su immagini generali ed entusiaste, ma siccome sarebbe davvero banale e quasi antipatico, e d’altra parte ritengo assolutamente inappropriato, in questo caso, approfondire i punti cardine del documentario perché ve ne rovinerei la visione, a questo punto annuncio invece l’inizio di una recensione assolutamente personale e soggettiva, in cui racconterò quello che ha colpito me durante la mia visione in anteprima.

Primissima impressione, semplice: la vita di Miyazaki è davvero strettamente connessa con il suo senso della Natura (di cui abbiamo già parlato qui). Sia il Museo Ghibli (che in questo caso non viene mostrato), che lo Studio Ghibli, che lo stesso spartanissimo studio privato del regista sono strettamente interconnessi con elementi naturali che li caratterizzano. L’importanza, almeno per me, di questo aspetto, risiede nel riconoscimento che questa è prova dell’onestà morale dell’artista, la sua coerenza, la sua rettitudine.

Seconda impressione: Hayao Miyazaki è una persona netta e nitida, con uno sguardo netto e nitido, che si propone agli altri (collaboratori e non) con atteggiamenti netti e nitidi. La sua superiorità in quanto autore, creatore e capo sezione emerge da questo documentario in modo così chiaro e diretto che è quasi sciocco che ve ne stia parlando, lo vedrete. Ma questi due aggettivi assonanti, netto e nitido, mi sono venuti spontanei alle mente osservandolo agire, anche solo per preparare un tè, con quel caschetto di capelli bianchi, per quanto quasi mai pettinato, che bilancia armoniosamente il bianco del grembiule, immacolato, che indossa per lavorare.

Never ending man Hayao Miyazaki

Eppure, guardandolo muoversi, ho pensato che nel suo aspetto ci fosse qualcosa che stonava con questa mia insistente considerazione, ed erano i suoi occhi. Se lo sguardo nella maggior parte dei momenti è appunto diretto e lucido (netto e nitido) con quella sfumatura fantasiosa cha hanno solo gli occhi dei giapponesi quando non sono perfettamente neri, ma sembrano di un grigio ferro traslucido e luminoso; in altri momenti, mentre guarda o pensa ai disegni, assume un peso diverso che non riuscivo bene a identificare.

Anche il suo aspetto ha qualcosa che stona con la mia idea su di lui: quella testa che sembra troppo grande sulle spalle strette e il corpo esile e legnoso è iconograficamente all’opposto alle linee del corpo di un gatto; perché allora ho sempre associato Miyazaki a un gatto, se nel suo aspetto esteriore non c’è nulla che lo richiami?

Ma a questo risponderò tra poco…

Intanto: una delle parole chiave del film è “vecchiaia”, è stato questo il motivo del suo annunciato ritiro e il maestro la ripete più volte parlando di sé e collegandola al suo lavoro. Eppure scoprirete (scusate, siamo in un campo pericolosamente vicino a un’anticipazione) che tutto sembra, Miya-san, tranne che un vecchio: per come si comporta, per come pensa al futuro, per come si incuriosisce e si entusiasma per il mondo che lo circonda.

Never ending man Hayao Miyazaki

E ragionando su questo ho finalmente trovato la risposta sull’enigma del Miya-gatto: gli occhi di questo grande uomo mentre lavora sembrano all’improvviso vedere cose meravigliose e inaudite, che lo ipnotizzano, cose così straordinarie che noi non riusciremmo mai a immaginare, e sono le cose che poi riporta nei suoi lavori e che incantano e hanno incantato e incanteranno tutti noi. Esattamente come i gatti a volte fissano un punto con attenzione feroce, seguendo immagini che noi non vediamo e non supponiamo, come se vedessero scene di universi e dimensioni a noi invisibili.

Ecco, Hayao Miyazaki, come i gatti, è un essere vivente che vive sul confine tra la nostra realtà e un mondo incredibile, con la differenza che lui, quelle immagini spettacolari, riesce a condividerle con noi.

Probabilmente rimarrà un esemplare unico, ma noi dobbiamo solo gioire del fatto che sia nato, che abbia compiuto il suo destino e ci abbia regalato quest’arte infinita e immortale. Come lui.

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Il trailer del film è disponibile su Vimeo.